X JAPAN入門——変わり続けたものと変わらなかったもの
X JAPANを語る時、どうしても「紅」「ENDLESS RAIN」「Silent Jealousy」「Forever Love」といった代表曲が並びます。
基本はヘヴィーメタルなので、私とすごく相性がいいのです。
或いはYOSHIKIの激しいドラムやToshlの高音も想起させるかもしれません。
HIDEとPATAのツインギターも印象にあるかもしれません。
派手な衣装や東京ドームもありました。
解散とHIDEの死もありました。再結成もしました。そうした言葉でX JAPANを説明することもできます。
しかしそれだけではX JAPANというバンドの本質には届かないかもしれません。何故ならX JAPANは単純に「速いメタルのバンド」ではなかったからです。クラシック音楽のようなピアノと長大な構成を持ちながら、ヘヴィーメタルのギターを鳴らす。
激しいツーバスの上に歌謡曲のように覚えやすいメロディを乗せます。
ツインギターでメロディをハモらせる一方で、バラードではピアノと歌だけでも成立させます。
そして時代が変わればそのサウンドそのものも変えていきました。
X JAPANの音楽を追っていくとみえてくるのは「変わったバンド」ではなく、「変わり続けたバンド」という姿なのです。
そして2026年現在、このバンドを考える上で、もう一つ避けて通れない問題があります。作品を出し続けることの意味です。
1．X JAPANとは何だったのか？
Xは1980年代にYOSHIKIとToshlを中心に結成されて、1989年の『BLUE BLOOD』でメジャーシーンに大きく進出しました。
その後、『Jealousy』『ART OF LIFE』『DAHLIA』へと作品を重ねて、1997年に解散しました。翌年の1998年にはHIDEが亡くなりました。
2007年に再結成し、2008年に「I.V.」を発表しました。
その後、世界ツアーや海外公演をおこない、2014年にはMadison Square Gardenにも進出しました。公式プロフィールによればX JAPANは東京ドーム公演を18回成功させて、世界各地で活動してきました。(X Japan)
ここだけをみると、非常に単純な成功物語にみえます。
しかし実際にはメンバーは何度も入れ替わっています。
ベースにはTAIJIがいました。
その後HEATHが加入しました。
ギターにはHIDEとPATAがいました。
そして再結成後はSUGIZOが加わりました。
現在のX JAPANを語る時、HIDE / TAIJI / HEATHを単なる「過去のメンバー」として処理することはできません。
それぞれがX JAPANの音楽を構成していたからです。
2．HIDEという「もう一つのX」
そしてX JAPANを語る時、HIDEをYOSHIKIの脇役として扱ってはいけません。
HIDEはX JAPANのギタリストでした。
しかしそれだけではありません。
ソロアーティストとして、hideという別の世界を作りました。
更にLEMONedを立ち上げて、音楽だけではなく、アート・ファッション・ヘアメイク・ショップなどへ活動領域を広げていきました。hide公式プロフィールも彼の活動を音楽だけに限定せず、こうした領域まで含めて紹介しています。(hide公式サイト)
ここが非常に重要です。X JAPANの中でHIDEは「Xという巨大な様式の中に、自分の異物感を持ち込む人」だったと言えます。
「Joker」
「SCARS」
そしてソロ作品もあります。
HIDEの音楽にはXとは違うグルーヴ感・ポップ感・電子音的な感覚・毒っ気・遊びがあります。
ここでいう「グルーヴ」とは単なるテンポではなく、音の置き方や反復によって生まれる身体的なノリのことです。HIDEの楽曲ではメタルのように一直線へ進むのではなく、リフの反復や音色の変化が聴き手を横方向に揺らします。
だからX JAPANを理解する為には
YOSHIKIの音楽とHIDEの音楽を分けて考えた方がいいです。
その二つが同じバンドに存在していたことこそ、X JAPANの面白さだったのです。またHIDEは同調圧力の強い日本において異端の最前線にいました。
自分らしくありたいという人達において、彼はある意味でシンボルだったのかもしれません。
3．TAIJI――Xの音楽を「バンド」にしたベース
TAIJIについても同じです。
XはYOSHIKIの作曲とアレンジが強烈なバンドでした。
しかしそれを実際のロックバンドとして成立させるにはベース・ギター・ドラム・ボーカルが必要になります。
TAIJIの存在は初期Xの音楽に大きな意味を持っていました。
彼のベースは単純にルート音を鳴らすだけではなく、ロックバンドとしての躍動を作ります。
「ルート音」とはコード名の基礎になる音のことです。G#mならG#がルート音です。ベースがルート音だけを弾けば和声は安定するが、経過音やリズムの変化を加えると、曲に動きが生まれます。
初期曲を聴く時、ギターの壁の下でベースが何をしているかを意識するとよいです。ギターと同じリズムを補強している箇所やドラムのキックと結びついて推進力を作る箇所とコードの変わり目を先取りする箇所があります。
「ENDLESS RAIN」をベースだけに耳を傾けて聞いてみて欲しいです。
つまり作曲家の頭の中にある音楽をバンドの身体に変換する役割があったのです。
4．HEATH――再構築されたXの低音
1992年に加入したHEATHはXの後期を支えました。
X JAPANの公式プロフィールでもHEATHは1992年加入のベーシストとして位置づけられています。(Heath Project)
そして再結成後も活動しました。
HEATHの重要性は「TAIJIの代わり」という言葉では説明できません。
別の人間が別の音を出しています。
その違いが、後期X JAPANの音楽を作っていました。
ベースを聴き比べる時、音色の太さだけでなく、どの程度ギターと一体化しているか、或いは独立した旋律として聴こえるかに注目したいです。
低音がギターのリフをなぞると音の塊が強くなり、ベースが別の動きをすると、同じコードでも奥行きが生まれます。
2023年10月29日にHEATHは55歳で亡くなりました。X JAPAN公式もその事実を発表しています。(X Japan)
これによって、現在のX JAPANを語る際にはHEATHの存在もまた「過去のメンバー」という言葉だけでは処理できなくなってしまいました。
5．PATA――派手ではないが重要なギタリスト
PATAはHIDEとは違う個性を持っています。
HIDEが色彩やアイデアを持ち込むギタリストだとすればPATAはXの楽曲を支える安定したロックギターを担っていました。
ツインギターでは「どちらが目立つか」ではなく、二人が同時に鳴った時に何が起こるか？が重要になります。
Xのツインギターは単純な速弾きではありません。
3度系のハーモニーを中心にしながら、コードに対して二つの旋律を重ねます。
「3度ハーモニー」とはある旋律に対して、音階上で三つ目の音を重ねる方法です。例えばCに対してE,Dに対してFというように動きます。ロックギターでは二本のギターが同じ方向へ動くことで、単音のメロディを厚く、歌うように聴かせられます。
これはクラシック音楽にある「複数の声部」という考え方とも相性がいいのです。だからXのギターソロは
「速く弾いている」だけではありません。
二人のギターが一つのメロディを巨大化しているのです。
実際に聴く時、左右のチャンネルを意識するとよいです。片方のギターが主旋律を弾き、もう片方が3度や6度で支える場合、二本を別々に追うことで、単なる音の壁ではなく、二つの声の会話として聴こえてきます。
6．YOSHIKI――「決める人」と「演奏する人」
X JAPANの音楽を理解する上で、YOSHIKIの存在は特別な存在です。
ドラム・ピアノ・作曲・アレンジそしてステージ全体の構築です。
X JAPANの演奏には「ここは自由にやってください」
というより「ここはこう鳴らす」という非常に強い設計思想があります。
だからXの演奏は難しいのです。単純に速いからではありません。
決められた構造を寸分違わず再現しながら、その中でギタリストが自分の音を出さなければならないからです。
これは面白い問題です。普通、「自由に弾けること＝個性」
と考えがちです。しかしXの場合、決められた枠の中で、どこまで自分の音を出せるか？という別の個性が存在します。
HIDEとPATAの違いもそこに現れます。YOSHIKIのアレンジを聴く時、曲の構成表を頭の中で作るように聴くとよいです。イントロ・Aメロ・Bメロ・サビ・間奏・ソロ・再現部という区切りを確認し、どこで同じモチーフが戻り、どこで別の楽器が主役になるかを追うのです。こうすると派手な演奏の背後にある設計がみえやすくなります。
「元気が出るテレビ」のゲイリーYOSHIKIから、皇居前のピアノへ
X JAPANを知らない人でもYOSHIKIの名前を知っている人は多いです。
しかしそのYOSHIKIが最初から「世界的な音楽家」だった訳ではありません。
かつて日本テレビ系の『天才・たけしの元気が出るテレビ!!』にはYOSHIKIが「ゲイリーYOSHIKI」として登場した時代がありました。
派手な衣装と髪型
「なんだ？この人は？」
というみられ方をする存在だったのです。
ところが、その人物が後にクラシックのピアノを弾き、1999年には天皇陛下御即位十年記念式典の奉祝曲「Anniversary」を作曲するのです。
皇居前広場で披露されたその作品はX JAPANの「紅」や「Silent Jealousy」とは全く違う場所にあるようにみえます。しかし本当は違います。
これはYOSHIKIが突然、別人になったのではありません。
もともと彼の中にあったクラシック音楽への志向が、X JAPANというロックバンドを経由して、再びクラシックの場所へ戻ってきたと考えることができます。
X JAPANではピアノを弾き、ドラムを激しく叩き、ギターとボーカルを巨大化させます。
一方で、「Anniversary」ではピアノとオーケストラによって旋律を構築します。
編成は違っても「ドラマティックなメロディを巨大なスケールで鳴らす」
という発想には明確な繋がりがあります。
だからこのエピソードは単なる「YOSHIKIの出世物語」ではありません。
X JAPANの音楽が、もともとどこへ向かおうとしていたのかを示す一つの証拠なのです。
そしてその後YOSHIKIはクラシック・コンサートを世界各地で開催し、2017年にはカーネギーホールで公演をおこないました。YOSHIKI公式もクラシックを自身のルーツとして位置づけています。
以下の映像は1985年〜89年位のものです。
つまり「元気が出るテレビのゲイリーYOSHIKI」と「皇居前で奉祝曲を奏でるYOSHIKI」は別人ではありません。同じ人物が時代とともに活動する場所を変えていったのです。
7．最初のX――速さは「筋トレ」ではなく音楽だった
初期Xを語る時、「速い」という言葉は避けられません。
しかしここで一度考えたいと思います。
速い音楽は本当に「筋トレ音楽」なのだろうか？
クラシック音楽には非常に速い旋律がいくらでも存在します。
ショパンのピアノ曲を聴けば一瞬でわかります。
速いから価値がない訳ではありません。
ジャズのチャーリー・パーカーの演奏を聴いても同じです。
速いフレーズには速いからこそ生まれる運動感・緊張感・推進力があります。つまり速度は音楽表現の一つのパラメーターに過ぎません。
Xがクラシック音楽的な旋律や和声をギター・ベース・ドラムというロックバンドの編成で巨大化させていったことに意味があります。
だからXの速さは「速く弾ける俺たちをみてくれ」だけではありません。
旋律を高速で動かす。リズムを加速し、ドラムのフィルを叩き込みます。
ツインギターを重ねます。そしてその速度を一気に止めます。
この速度と停止のコントラストそのものがXのドラマを作っていました。
実際に初期曲を聴く時、BPMの数字だけでなく、次の三点に注目するとよいと思います。
イントロでリズムが走り出す瞬間
サビ前に一度音数が減り、次の一拍で全員が戻る瞬間
ギターソロの終わりにドラムのフィルが次のセクションを押し出す瞬間
ここでいう「フィル」とは一定のリズムを一時的に崩して入れる短いドラムフレーズのことです。Xではこのフィルが単なる飾りではなく、曲の場面転換を知らせる役割を担っています。
8．『BLUE BLOOD』――Xの基本形が完成する
1989年4月21日に発売された『BLUE BLOOD』はXの代表的な作品として現在も残っています。オリコンでは最高6位で108週ランクインを記録しています。(オリコンニュース（ORICON NEWS）)
ここで重要なのは単純に「名盤だった」ということではありません。
このアルバムにはその後のX JAPANを理解する為の材料がほぼ全部入っています。
「紅」
「ENDLESS RAIN」
「BLUE BLOOD」
「WEEK END」
「X」
「ROSE OF PAIN」
などの楽曲があります。激しい曲とバラードの両極に振られています。
速い曲と遅い曲そしてメタルとクラシカルな要素の融合です。
そして日本語の歌として成立するメロディ、この組み合わせがXの基本形になりました。
アルバムを通して聴く時、曲単体の速さよりも曲順による温度差に注目したいと思います。「紅」のような攻撃的な曲の後に「ENDLESS RAIN」のようなバラードが置かれることで、同じピアノや歌声でも聴こえ方が変わります。これはアルバム全体を一つの長い構成として設計する、クラシック音楽や組曲に近い発想です。
9．「紅」――実は非常にシンプルな曲である
「紅」をコード進行からみると、意外な程シンプルです。
イントロの中心にあるのは
Am → G6 → F → E
という下降進行です。ローマ数字でみれば
i → ♭VII → ♭VI → V
です。
ローマ数字はコードをキーに対する相対的な位置で表す方法です。例えばAマイナーの主和音を「i」とし、そこから何度下がったコードへ進むかをみます。キーが変わっても同じ構造を比較できる為、コード進行の分析に便利です。
ベースが
A→G→F→E
と下降します。そして最後のEがAmへ戻ろうとします。
ここでEはAmへ解決したがる強い音です。こうした「次のコードへ進みたがる力」を和声の緊張感、或いはドミナントの機能と呼びます。難しい理論を知らなくてもイントロの最後で「このままでは終われない」と感じればその働きを耳で捉えられています。
だから、この進行は非常に強いのです。
複雑だからドラマチックなのではありません。
「戻りたくなる場所」が明確だからドラマチックなのです。
しかもGを単純なパワーコードにせず、G6のような響きを持たせます。
コードそのものは難解ではありません。
しかしメロディ・ギター・ドラム・歌詞・音色・アレンジが巨大な一つの塊になっています。
実際に聴き比べるなら、まずイントロだけを聴いて、ベースの下降を追ってみます。次に同じ箇所でギターの高音がどのように重なっているかを聴きます。最後に歌が入った後の「お前は走り出す」付近で、Am→F→G→Amという上昇感を確認します。
「お前は走り出す」ではAm→F→G→Amと上昇します。
音楽そのものが走り出す動きをします。
つまり「紅」は難しいコードを使った曲ではなく、シンプルな音楽要素を巨大なドラマに変換した曲なのです。
10．『Jealousy』――Xは更に大きくなる
1991年7月1日発売の『Jealousy』はオリコン最高1位を記録しました。(オリコンニュース（ORICON NEWS）)
そしてこのアルバムはXを考える上で非常に重要です。
何故なら、Xの音楽が一つの方向に進まなかったこと
がはっきりわかるからです。
「Silent Jealousy」は高速で巨大です。
「Miscast」は攻撃的です。
「Desperate Angel」はロックンロール的です。
「Voiceless Screaming」はアコースティックです。
「Joker」はHIDEによる楽曲です。
そして最後に「Say Anything」は壮大なバラードです。
一枚のアルバムの中で、これだけ違う表情を持っています。
しかも「Joker」はHIDEが作詞・作曲した楽曲であることがソニーミュージック公式にも記録されています。(Sony Music Japan)
ここからみえてくるのは
X JAPAN＝YOSHIKI一人の音楽
という単純な図式ではありません。
YOSHIKIがバンドの巨大な構造を作る一方で、HIDE・PATA・TAIJIらがそれぞれの個性を持ち込んでいました。
『Jealousy』を聴き比べる時は曲のジャンルだけでなく、リズムの「跳ね方」に注目するとよいと思います。「Silent Jealousy」では前へ突進するような直線的な推進力が強い一方で、「Joker」ではロックンロールらしい反復とノリが前面に出ます。「Voiceless Screaming」ではドラムの音圧よりもアコースティックギターのストロークと歌の間が重要になります。
11．「Silent Jealousy」――速さだけでは説明できない
「Silent Jealousy」は、Xの速さを象徴する曲として扱われることが多いです。
しかし本当に面白いのは速度そのものではありません。
この曲は高速感→巨大なリズム→ブレイク→ソロ→再加速
というように聴き手の「時間感覚」を操作しています。
いわゆるハーフタイム的な感覚になる部分では実際のBPMそのものを単純に半分にしたというより、同じ時間の中で音楽の密度を変えるのです。
ことによって、巨大な重量感を生み出していると考えた方が音楽的にはわかりやすいです。
「ハーフタイム」とはテンポ自体は変えず、スネアを置く位置やフレーズの区切りを広く感じさせることで、体感的に半分の速さのように聴かせる手法です。例えば細かく刻んでいたリズムが、急に大きな二拍・四拍単位で響くと、同じBPMでも音楽が重く感じられます。
実際に聴く時、サビやブレイクの前後で、スネアの間隔とギターの刻み方を比べてみるとよいです。速い部分では音符が連続して前へ進むが、ブレイクでは音と音の間に空白が生まれます。その空白が、次の爆発を大きくします。つまり「速い」だけではありません。速い音楽をどうすれば巨大に聴かせられるか？そこにXのアレンジの巧さがあります。
12．『Jealousy』でみえるもう一つのX――バラード
そして最後に「Say Anything」が来ます。
ここが重要です。Xは速い曲だけで成立していません。
むしろ激しい曲があるから、バラードの弱さが強さになります。
「Silent Jealousy」で極限までテンションを上げておいて、最後に歌とメロディを残します。
Xのドラマはこの「静」と「動」の両方によって成立しています。
2026年には「Say Anything」の過去MVもソニーミュージック公式から公開されました。公式はこの曲を『Jealousy』のラストを飾るX JAPAN屈指のバラードとして紹介しています。(Sony Music Japan)
35年近く経ってもこの曲が作品として残っています。
これはXの本質をよく表しています。
「Say Anything」を聴く時、まずピアノと歌だけを追い、次にストリングスやギターが加わる位置を確認するとよいです。音が増える度にメロディそのものが変わらなくても感情のスケールが広がっていきます。ここでいう「ダイナミクス」とは音量だけでなく、音数・音域・楽器の厚みを含めた音楽全体の強弱です。
13．『ART OF LIFE』――曲ではなく「作品」を作る
1993年にXは『ART OF LIFE』を発表しました。
オリコンでは最高1位を記録しています。(オリコンニュース（ORICON NEWS）)
約30分という長大な作品です。
ピアノ / オーケストラ的な広がり / 激しいバンド / 静かな部分 / ギターソロ / そして長い展開です。
ここまで来ると、もはや「シングル向けの曲」という発想から離れています。Xの重要な特徴の一つが、
曲を「消費される3～5分の楽曲」だけではなく、一つの作品として設計することでした。
勿論、長いから偉い訳ではありません。
重要なのは一つのモチーフや感情を時間をかけて変化させるという考え方です。
『ART OF LIFE』を聴く時、最初から最後まで一度通して聴いた後、次の三つの場面を聴き直すとよいです。
冒頭のピアノが提示する主題
バンドが入り、同じ感情が音圧を持って拡大される部分
中盤以降の長いピアノソロから、再び全体へ戻る流れ
ここでいう「モチーフ」とは曲全体を支える短い旋律やリズムの単位です。モチーフが形を変えながら何度も現れることで、30分という長さにも統一感が生まれます。
14．『DAHLIA』――Xは「速さ」から更に離れていく
1996年にX JAPAN名義で『DAHLIA』を発表しました。
この時期になると、音楽は更に複雑になります。
「DAHLIA」
「Rusty Nail」
「Longing」
「Forever Love」
「CRUCIFY MY LOVE」
「SCARS」
などです。
1996年のシングル「DAHLIA」はオリコン1位を記録しています。(オリコンニュース（ORICON NEWS）)
しかし『DAHLIA』期のX JAPANを初期Xと同じ物差しだけで聴くと、見落とすものがあります。
それは「速いメタルバンド」から「巨大なロック作品を作るバンド」への変化です。
『DAHLIA』では音数の多さだけでなく、音の配置にも注目したいです。
ギターが前面に出る曲とピアノやストリングスが感情の中心になる曲、サビのメロディを広い音域で支える曲が並んでいます。初期の「速さ」が身体的な衝撃だとすればこの時期の「巨大さ」は音域と空間の広がりによって作られています。
15．「Rusty Nail」――X JAPANのポップ性
「Rusty Nail」は非常に重要な曲です。
BPM130程度の4/4で中心にあるのはF→G→Amというシンプルな動きです。
Amを中心にすれば
♭VI→♭VII→i
という進行になります。難解ではありません。
むしろ非常にキャッチーです。
この進行は短調の中で一度ずつ上へ進み、最後に主音へ戻ります。
短調の「陰り」を保ちながら、サビでは上向きの開放感を作れる為、ロックやポップスで非常に使いやすい形です。
しかしそこから転調します。
そして一度ハーフタイム的な感覚に落とし、再び戻ります。
実際に聴くなら、最初のサビと後半のサビを比べてみるとよいです。メロディの基本形は覚えやすいままでも転調によって歌の音域と伴奏の明るさが変わり、同じフレーズが別の感情に聴こえます。
ここでX JAPANがみせたのは複雑な音楽をポップソングとして成立させる能力でした。
「Silent Jealousy」のような超高速曲だけがXではありません。
「Rusty Nail」のように聴いた瞬間に歌える曲もX JAPANです。
16．「Tears」――Xのもう一つの中心
「Tears」は、X JAPANを語る時に絶対に外せない曲です。
ピアノから始まり、歌が入り、徐々に音楽が広がっていきます。
このタイプの曲ではギターの速さは必要ありません。
必要なのは一音をどれだけ長く聴かせられるか？
です。
ここでいう「サステイン」とは音を鳴らした後にどれだけ長く響かせるかという性質です。速いフレーズでは音符の数が印象を作るが、「Tears」のようなバラードでは一音の余韻・歌の語尾・ピアノの残響が感情を支えるのです。
「Tears」を聴く時、イントロのピアノが歌の呼吸をどのように先取りしているか、そして後半で楽器が増えても歌の輪郭が埋もれないかに注目したいです。音が増えることは必ずしも主役が変わることを意味しません。むしろ歌を中心に周囲の空間を広げています。ここでX JAPANの音楽の核心がみえます。
高速ギターもX
ピアノバラードもX
オーケストラ的な展開もX
ポップなサビもX
つまりX JAPANのジャンルを「メタル」と一言で決めると、むしろ本質を失います。
17．1997年――X JAPANは一度終わった
1997年にX JAPANは解散しました。
そして1998年にHIDEが亡くなりました。
ここでX JAPANの物語は単純なバンド史ではなくなります。
しかしこの部分を「感動的な人間ドラマ」にしてしまうと、逆に音楽がみえなくなります。X JAPANについて重要なのは人間ドラマが音楽の代わりになることではないからです。
音楽が先にあり、その音楽を作った人達に非常に大きな出来事が起きました。だからその後に聴く音楽の意味が変わってしまいます。
この順番を間違えてはいけません。
18．2007年――X JAPAN再結成
2007年にX JAPANが再結成しました。
2008年には「I.V.」が発表されました。
ソニーミュージックによれば再結成後には「I.V.」（2008）「Scarlet Love Song-BUDDHA Mix-」「JADE」（2011）「BORN TO BE FREE」（2015）などが発表されています。(Sony Music Japan)
そして再結成後のX JAPANは世界へ向かったのです。
北米 / ヨーロッパ / 南米 / アジア / Madison Square Garden / Coachella
つまり2007年以降のX JAPANは
「90年代の日本のバンドが帰ってきた」だけではなかったのです。
再結成後の音源を聴く時、90年代の録音との音圧差だけで判断しないことが重要です。音圧とは単純な音量ではなく、低音の厚み・全体の密度・音の持続感を含む聴感上の大きさです。現代的なミックスでは低音や空間系エフェクトを使って、音数を増やさずにスケールを広げることもできます。
19．再結成後のX――「速さ」から「重量」へ
再結成後の音楽を聴くと、90年代との違いがみえてきます。
90年代Xの巨大さは
速度＋メロディ＋演奏技術＋ドラマ
によって作られていました。
一方で、2007年以降は
ローエンド＋音圧＋空間＋デジタル要素＋アンセム性が重要になってきます。
「ローエンド」とはベースやバスドラムなどが担う低い周波数帯のことです
。ここが厚いと、音楽は身体に響くように感じられます。「アンセム性」は大勢で歌えるような反復性や開放感を指します。
これは単純に「昔より良くなった」という話ではありません。
音楽を取り巻く環境そのものが変わったのです。
21世紀のロックでは「速い＝重い」ではなくなっています。
低い音 / 太いキック / 長く伸びるギター / シンセ / 空間系エフェクト / 巨大なステレオイメージとそうした要素でも重量感を作れるのです。
だから再結成後のX JAPANは速度を重量へ翻訳したと考えると面白いです。
聴き比べる時、同じように激しい箇所でも90年代の曲では細かいギターの刻みが前へ進ませ、再結成後の曲では低音の持続や広い残響がその場に留まらせるという違いを探すとよいです。
20．SUGIZOが入った意味
そしてギターにSUGIZOが入りました。
ここは非常に大きな変化です。
SUGIZOは単純にHIDEの代役ではありません。
HIDEの音を再現するために加入したのではなく、SUGIZOという別のギタリストがX JAPANに入ったと考えるべきです。
空間系エフェクト / フィードバック / ノイズ / ロングトーン / バイオリン
そうした要素によって、ギターの役割が変わります。
「空間系エフェクト」とはディレイやリバーブのように音を反復させたり残響を加えたりする効果のことです。「フィードバック」はアンプから出た音をギターが再び拾い、持続音や倍音を生む現象です。
90年代Xのギターが、「速いリフ」「ハーモニー」「ソロ」を中心に巨大化していたとすれば、再結成後のギターには空間そのものを作る役割も生まれました。
SUGIZOの音を聴く時、音符の数ではなく、音が鳴り終わった後に何が残るかを確認したいです。短いフレーズでもディレイやリバーブによって後ろに尾を引けばギターは旋律だけでなく背景そのものになります。
21．「I.V.」が示したもの
「I.V.」は再結成後のX JAPANを象徴する曲の一つです。
ここでは過去のXを完全に再現することが目的ではありません。
むしろ「X JAPANというブランドを世界の現在のロック市場へどう接続するか」という課題がみえます。
そして重要なのはHIDEの未発表ギタートラックが使用されたことです。
つまり過去のXと現在のXそして亡くなったHIDEそれらが一つの作品の中で接続されました。
これはX JAPANというバンドの歴史そのものを象徴する出来事でした。「I.V.」を聴く時、ギターの音色を一つの塊として聴くのではなく、どのフレーズが過去のXを思わせ、どの部分が再結成後の音響設計を示しているかを分けて考えるとよいです。過去の演奏を含むことと、過去をそのまま再現することは同じではありません。
22．「JADE」「BORN TO BE FREE」――世界へ向かうX
「JADE」や「BORN TO BE FREE」では90年代の日本語ロックとは違う方向性が更にみえます。
英語詞 / 世界市場を意識したメロディと大きなサビです。
スタジアムで歌える構造です。
音数を増やすだけではなく、一つのフレーズを巨大な空間に放つという発想が強くなっています。
ここでいう「スタジアムで歌える構造」とは短く覚えやすいフレーズを繰り返し、観客が一度聴いただけでも参加できるようにする設計です。サビの音域を広くし、長い母音を置くと、大人数で歌った時に声が重なりやすい構造です。これはXが「日本のメタルバンド」から、世界規模のロックバンドへ自分達を置き直そうとしたこととも関係します。
23．「Angel」――8年ぶりの新曲
そして2023年に「Angel」が発表されました。
X JAPAN公式は「Angel」を8年ぶりの新シングルと位置づけています。YOSHIKIが作詞・作曲したバラードでです。(X Japan)
ここで重要なのは2023年にX JAPANが新曲を出したという事実です。
つまりX JAPANは完全に90年代だけの存在ではないのです。
2023年にも作品を作りました。しかし同時に別の問題がみえてくるのです。
「Angel」を聴く時、過去のバラードとの共通点だけでなく、音の余白にも注目したいのです。ピアノや歌を中心に据えるバラードでは音を重ねることよりもあえて鳴らさない時間が感情を作ります。『ENDLESS RAIN』や「Tears」と聴き比べれば、同じ「静かな曲」でも伴奏の密度や残響の扱いが異なることがわかります。
24．X JAPAN最大の問題――「次の作品」がいつになるのか？
ここからが、現在のX JAPANを考える上で最も重要なところだと思います。
X JAPANには非常に強い過去作品があります。
だからこそ「次は何を作るのか」という問題が大きくなります。
公式サイトには再結成後の活動や「Angel」などが掲載されている一方で、2026年9月現在、完成した新しいスタジオアルバムの発売日を示す確定情報は確認できません。公式プロフィールには「first new studio album in over 22 years」を制作中とする記述も残っているが、これは現在の発売日を意味するものではありません。(X Japan)
ここで思い出すのがGuns N’ Rosesの『Chinese Democracy』です。
『Chinese Democracy』は2008年発売です。『Use Your Illusion』以来、17年ぶりのオリジナルアルバムでした。
制作は1990年代後半から2000年代にまたがり、長期間に渡りました。(ザ・ガーディアン)
ここから言いたいのは「Chinese Democracyは失敗だった」という話ではありません。そうではありません。問題はもっと単純です。
25．作品を出さないと、「時代」が先に進む
音楽は作品だけで存在している訳ではありません。作品の周囲にその時代の音やその時代の録音技術、その時代のリスナーやその時代の社会とその時代の音楽市場があります。
例えば1991年の音楽を1991年に聴くのと、2026年に初めて聴くのでは意味が違います。だから作品を長期間出さないことは単に作品数が減ることではありません。
作品と現在との距離が広がっていきます。そしてようやく新作が出た時、
「新しいX JAPAN」ではなく、「久しぶりに帰ってきたX JAPAN」として受け止められる可能性があります。更に時間が経てば「昔のX JAPANが現在に再登場した」というみえ方になってしまいます。
これが「Chinese Democracy化」という問題意識です。
ここで聴き比べたいのは曲の完成度だけではありません。発売時期によって、同じ音色が「革新的」にも「回顧的」にも聴こえます。例えば90年代の大きなドラム音は当時の録音環境の中では新鮮だったが、現在の耳では歴史的な質感として受け取られることがあります。
26．古いことが悪いのではない
ここは誤解してはいけません。古い音楽が悪い訳ではないのです。
『BLUE BLOOD』は今聴いても強いです。『Jealousy』も強いです。
『ART OF LIFE』も強いです。『DAHLIA』も残っています。
問題なのは過去の作品が強いことと、現在の作品が存在することは別問題だということです。
過去の名作があるからこそ、新作が必要になります。「紅」を聴けばX JAPANはわかります。
しかし「紅を聴けば2026年のX JAPANもわかる」とは限らないのです。
そこには大きな違いがあります。
27．X JAPANの「変わらなかったもの」
ではX JAPANは何を守ってきたのか？
時代が変わってもいくつかのものは変わっていません。
① メロディを巨大化する
Xの中心には常にメロディがあります。
速い曲でもバラードでも同じです。
聴き比べるときはギターリフやドラムの速さを一度無視し、歌える旋律だけを追ってみるとよいです。激しい曲でもサビの輪郭が明確だからこそ、音圧の中でメロディが残ります。
② 静と動
静かな部分があるから激しい部分が大きくなります。
音量だけでなく・音数・音域・リズムの密度が変わることで、静と動の差が生まれます。
③ クラシカルな発想
ピアノ・長い展開・転調・複数の旋律・ドラマティックな構成です。
転調は単にキーを変えることではありません。Xでは転調によって歌の高さ・ギターの響き・感情の視点まで変わります。どの曲でも転調の直前に何が準備されているかを聴くと、その効果がわかりやすいです。
④ ギターのハーモニー
ツインギターによる旋律の重なりです。
片方のギターだけを聴くと単純なフレーズでももう片方が別の音程で重なることで、旋律が厚くなります。
⑤ 一曲の中に複数の世界を作る
Aメロ・Bメロ・サビだけでは終わりません。
イントロからアウトロまで、一つの物語として構築します。
⑥ 極端さ
静かなら徹底して静かです。
激しいなら徹底して激しいです。
この「振り幅」がXの個性です。
28．X JAPANの「変わったもの」
一方で、変わったものも多いです。
こうしてみると、
X JAPANは「同じことを繰り返したバンド」ではありません。
むしろ作品を発表する度に自分達の音楽を別の形へ変換しています。
この変化を確認するには同じ観点で各時期を聴くとよいです。例えば「ドラムの速さ」「低音の厚み」「ギターの役割」「歌の音域」「曲の長さ」の五項目をメモすると、印象だけでなく音楽的な変化として整理できます。
29．だから「X JAPAN＝90年代」で止めるのはもったいない
ここが今回の記事で一番言いたいことかもしれません。
1990年代のX JAPANが完成度の高い音楽を作りました。
これは事実です。
しかしそれを理由に「X JAPANは90年代のバンド」としてしまうと、その後の挑戦がみえなくなります。
逆に「昔と同じX JAPANをもう一度やればいい」という発想も危険です。
2026年に『BLUE BLOOD』と同じ音を作ってもそれは1989年の『BLUE BLOOD』とは違う意味になります。何故なら、聴いている世界が違うからです。
30．ではX JAPANの「次」は何なのか？
ここでファンとして一つの想像をしてみたいと思います。
X JAPANの作品がなかなか出ないのは有名なことです。
それなら、「X JAPANの音楽を研究して、自分なら次に何を作るか考えてみる」という方法がああります。
これは「YOSHIKIの代わりにX JAPANを作る」という話ではありません。
HIDEの代わりになるという話でもありません。
あくまでファンによる作曲上の思考実験です。
31．X JAPANの「クセ」を現代に変換する
例えばX JAPANには下降するベースラインがあります。
B→ F#/A#→ G#m→ G#m/F#→ E→ B/D#
『ENDLESS RAIN』などにみられる、ベースが滑らかに下降していく感覚です。ここで「F#/A#」のような表記はコードの最低音を指定する分数コードです。F#の和音を鳴らしながら、ベースだけA#を弾くことで、ベースラインを滑らかに動かせます。
これをそのままコピーするのではなく、
C→ G/B→ Am9→ Em/G→ Fmaj7→ Fm7(9)→ C/E→ Dm7→ Gsus4
のように変えてみます。
ここでは「maj7」「m9」「sus4」といった表記が、コードに加える音や、次のコードへ進む前の揺らぎを示しています。たとえばGsus4はGの中の第三音を一時的に保留し、解決を遅らせる響きです。
すると「Xのコード進行をコピーする」から、「Xが好きだった音楽的な動きを別のコードで再構成する」へ変わります。
実際に試すならまず左手やベースで最低音だけをB→A#→G#のように滑らかに弾き、その上でコードを鳴らしてみます。コード名が変わらなくても最低音が動くだけで、曲は前へ進んでいるように聴こえます。
32．転調も「昔の技術」ではなく「世界を変える技術」
X JAPANは転調を非常にドラマティックに使います。
しかし現代的に考えるなら、「突然3度上に転調する」だけに頼る必要はありません。新しいキーのii-Vを先に提示します。
ベースを半音ずつ動かす。共通音を残す。コードの一音だけを変えます。
そうすれば転調した瞬間に「世界が変わった」という感覚を作れます。
「ii-V」とはあるキーの二番目のコードから五番目のコードへ進む定番の流れで、次の主和音へ向かう準備として機能します。転調先のii-Vを先に聴かせると、突然キーが変わっても耳が新しい場所を受け入れやすくなります。
X JAPANの転調の本質は転調そのものではなく、転調によって物語を変えることにあります。
聴き比べる時、転調前のサビと転調後のサビで、歌の最高音・ギターの開放弦の響き・ドラムのフィルの入り方を確認するとよいです。キーが変わるだけでなく、歌い手の身体的な負荷や伴奏の明るさまで変わっていることがわかります。
33．ツインギターも「3度ハモり」で終わらせない
X JAPANのツインギターを研究すると、3度系のハーモニーは重要です。
しかしそれだけではありません。現代的にするなら、
3度・6度・4度・5度・反行・ユニゾン・オクターブ
これらを組み合わせます。
「反行」とは二つの旋律が反対方向へ動くことです。「ユニゾン」は二つの楽器が同じ音を弾くこと「オクターブ」は同じ音名を高さ違いで重ねることを指します。
例えばギターAがC→D→E→Gと上がるなら、ギターBがG→F→E→D
と下がっていきます。
最後にEで合流します。すると、単純な平行ハーモニーとは違う立体感が生まれます。
実際に聴く時、二本のギターが最初から最後まで同じ音程関係を保っているか、それとも途中でユニゾンやオクターブに切り替わるかを確認するとよいです。ハーモニーが一時的に消えることで、再び二本が重なった瞬間の効果が強くなります。
つまりXのツインギターをコピーするのではなく、「二つの声が一つの感情を作る」という考え方を受け継ぐように設計します。
34．「速い」を現代では「重い」に変換できる
これも重要です。
昔のXの巨大さは高速演奏と密接でした。しかし今なら低いチューニング・巨大なキック・太いベース・シンセ・サブベース・空間系ギター・反復するリフ・長いサステインこれらで巨大さを作れます。
「低いチューニング」はギターやベースの弦全体を通常より低く設定すること、「サブベース」は通常のベースより更に低い帯域を補強する音です。どちらも音楽を速くするのではなく、身体に響く重さを作ります。
つまり速さを捨てるのではありません。速さ以外にも「巨大さ」を作る方法を使います。
これならX JAPANの精神を残しながら、2026年の音にできます。
聴き比べるなら、同じリフを高速テンポで演奏した場合と、テンポを落として低音と残響を増やした場合を想像するとよいです。前者は運動感・後者は圧迫感や重量感が強くなります。どちらも「巨大」だが、身体への作用が違います。
35．そしてHIDEの存在を忘れない
ここでHIDEの考え方が重要になる。
HIDEはXの中だけで完結しなかった。
ソロ・LEMONed・ファッション・アート・ヘア・新しいアーティストとの出会い
公式プロフィールでもLEMONedは音楽だけでなくアートやファッションなどへ広がった活動として紹介されています。(hide公式サイト)
だから「次のX JAPAN」を考えるなら、YOSHIKI的なクラシカルな巨大構造だけでは足りません。そこにHIDE的な「今までみたことのないものを混ぜる」精神を入れます。
これが重要なのだと思います。音楽的にはギターとピアノだけでなく、電子音・ノイズ・サンプラー・異なるジャンルのリズムを一つの構成に入れることが考えられます。ただし要素を増やすだけではXらしい巨大さにはなりません。異なる音がどの場面で登場し、どのメロディを強調するのかを設計する必要があります。
36．X JAPANは「完成した音楽」ではなく「更新する音楽」だった
ここまで振り返ると、不思議なことがわかります。
初期X『BLUE BLOOD』『Jealousy』『ART OF LIFE』『DAHLIA』
再結成後までどれも同じではありません。
しかし「Xらしい」という感覚は残っています。
つまりX JAPANの本質は特定の音色でも特定のテンポでも特定のコード進行でもありません。もっと深いところにあります。
37．X JAPANの本質とは何か？
私はこう考えたいのです。
X JAPANとは「異なる音楽要素を極端なスケールで一つの作品にするバンド」なのではないか？クラシック・メタル・ハードロック・ポップス・バラード・電子音・オーケストラ・ツインギターそして人間の感情です。
それらを「これはメタルだから」「これはポップだから」と分離しないのです。全部入れて、そして巨大化するのです。
それがX JAPANだったのです。
この本質を実際に確かめるには曲をジャンル名で分類する前に次の三つを聴くとよいです。
どのメロディが曲全体を支えているか？
どの瞬間に音楽の密度が変わるか？
異なる楽器やジャンル要素が、どのように一つの場面へ統合されているか？
38．だから、作品を出すことには意味がある
ここに冒頭の問題が戻ってきます。
何故、作品を出さなければならないのか？
ファンを待たせているからだけではありません。
ライブが少ないからだけでもありません。
過去の名曲が足りないからでもありません。
バンドは作品によって「今」を更新するからです。
1989年には『BLUE BLOOD』
1991年には『Jealousy』
1993年には『ART OF LIFE』
1996年には『DAHLIA』
2008年には「I.V.」
2011年には「JADE」
2015年には「BORN TO BE FREE」
2023年には「Angel」
これらは全部、その時代のX JAPANを残しています。
だから次の作品が出ればそれもまた「2020年代のX JAPAN」を残すことになります。
39．「出すタイミング」を逃すということ
音楽には発売されるまでの時間も作品の一部になります。
ある曲を2018年に作ったとしても2028年に発売すれば聴き手は2028年の耳で聴きます。
これは避けられません。音楽の技術も変わります。制作環境も変わります。
リスナーも変わります。競争相手も変わります。そしてアーティスト自身も変わるのです。
だから「いつか出せばいい」とは必ずしも言えないのです。
勿論、作品を妥協して早く出せという意味ではありません。
むしろ完成度と時代性の両方を考える必要があります。
ということです。
ここでいう「時代性」は流行の音をそのまま取り入れることではありません。現在の録音環境・聴かれ方・音楽の長さ・低音の扱い・リスナーが求める体験を踏まえた上で、作品が今の時間と接続しているかという問題です。
40．X JAPANを「昔のバンド」にしない為に
X JAPANには既に歴史があります。だから過去だけを聴いても十分楽しめます。しかし過去が強ければ強いほど、「次は何だ？」という問いが生まれます。これはX JAPANに限った話ではありません。長く活動してきたロックバンド全てが抱える問題です。ただしX JAPANの場合、その問題が特に大きいのです。
何故なら、作品そのものが時代を変えてきたバンドだからです。
過去の曲を聴く時、「昔の名曲」として閉じるのではなく、当時は何が新しかったのかを考えるとよいです。速さ・音圧・メロディ・衣装・映像・ライブ演出が一体となって、どのように時代の感覚を更新したのか？その視点を持てばX JAPANは過去の資料ではなく、現在の創作を考える為の教材にもなります。
終章 X JAPANはまだ「過去形」ではない
X JAPANを「紅のバンド」と呼ぶことはできます。
「Visual系の先駆者」と呼ぶこともできます。
日本においてヘヴィーメタルは人気こそありませんが、X JAPANの功績の一つとしてメタルを大衆化したことにあると思います。
「ENDLESS RAIN」で悲しみや苦しみを乗り越えた人がいるかもしれません。
「FOREVER LOVE」で結婚式を祝った人がいるかもしれません。
「TEARS」で亡くなった人を思い、悲しみをやがて乗り越えた人もいるかもしれません。
そういった意味で大衆化は大きな意味を持つと思います。
しかしそれだけでは足りないのです。X JAPANは速さを音楽にしました。
クラシックをロックにしました。
ピアノをバンドの中心に置きました。
ツインギターを旋律として巨大化しました。
バラードとメタルを同じ世界に置きました。
日本語のメロディを世界規模のロックへ変換しようとしました。
そして再結成後には2000年代以降の音響環境へ自分達を接続しようとしました。
その一方で、長期間作品が出ないという問題も抱えています。
ここはファンとして無視できません。
Guns N’ Rosesの『Chinese Democracy』が象徴するように長い制作期間そのものが悪い訳ではありません。
しかし音楽の世界は待ってくれないのです。作品を作っている間にも時代は進むのです。
そして、作品が完成した瞬間にはその作品は「現在の作品」ではなく、「過去から届いた作品」として聴かれる可能性があります。
だからこそ、X JAPANには次の作品が必要なのだと思います。
過去の名曲を否定する為ではありません。
過去を忘れる為でもありません。
これまで積み上げてきたものが、まだ未来へ続いていることを証明する為に必要なのです。
