「カナレットとヴェネツィアの輝き」展（SOMPO美術館）：都市画の極み、素描動画が楽しく嬉しい

（長文になります）

はじめに

　新宿のSOMPO美術館で開催中の「カナレットとヴェネツィアの輝き」展に行ってきました。

　最近はロートレック展以外は、日本美術、東洋美術系の展覧会しか訪問していませんから、なぜ？と思われるかもしれません。以下、簡単に訪問した動機を説明します。

　カナレットの名前を意識したのは、「線スケッチ」の師、永沢まこと先生から直接その絵画の画像を使って説明を受けたからです。
　以前から名前だけを知っていましたが、先生が提唱された「都市画」（下記参照）との関連では意識していませんでしたし、作品を丁寧に見ることもありませんでした。

　それ以来、カナレットの絵を気にかけていましたが、日本での知名度は教科書に載るか載らないか微妙な位置でしたので、展覧会が開催されるとは思わず、図書館の資料で見る程度でした。

　一方、現在私は日本の都市の街歩きスケッチをしており、noteの記事に連載しています。その記事の中で、街歩きスケッチの醍醐味は、現代の街角をスケッチしながら同時に過去の街の姿を思い描くことだと述べました。

　これまでに東京、仙台、関西諸都市の街角を描いてきて、日本の都市の成り立ちとその歴史的な変化について関心を持ちました。しかし日本の都市の場合は、古地図の街割り、街路が現代まで続いているのに、街並みの景観は一部の例外を除いてまったく変貌しています。

　一方、40年ほど前に2年間暮らしたフランス・アルザスのストラスブールの街並みや、休日に訪れたコルマールのような中世の景観がそのまま残った都市やヴォージュ山系の村々、はたまたヨーロッパの諸都市は、街路や街割りだけでなく建物景観も数百年以上さかのぼれることを思い出しました。

　しかし、街歩きスケッチには少なくとも10日以上、同じ場所に滞在して描くのが望ましいのですが、ヨーロッパはあまりにも遠く、出かけるには年をとり過ぎました。

バーチャル・都市スケッチを目指して（欧州中世都市スケッチ）

　そこで、３年程前から「バーチャル・スケッチ」と称し、グーグル・マップのストリート・ビューを利用して、身体をコンピューター内に飛ばして街歩きスケッチを試みています。これまでに、台北、ローマ、アルザスの村を描きました（詳しくは、別記事にする予定です）。

　このバーチャル・スケッチの最終目標は、かつて日々歩き回ったストラスブールと観光で訪れた中世そのままのベニスの街歩きスケッチです。
　今年の初めからその準備を進めてきました。

　例えば、ベニスの古地図、鳥瞰図は、年代ごとに詳しい資料が手に入ります（図３）

　また、建築の歴史は、当時購入した私と同年代の法政大学の陣内秀信氏のデビュー著書、『都市のルネサンス――イタリア建築の現在』中公新書（1978）を再読、さらにはストリート・ビュー でヴェニスの街中を歩き回って、昔訪れたときの感動を思い出し、スケッチポイントをある程度絞りました。

　また、ストリート・ビューとは別に多くのベニス観光動画が投稿されているなかで、次の動画を見つけ出し、スケッチポイントの構図を絞り込む予定です。

　グーグル・マップと違って動画の良いところは、人物が映っていることです。都市画には人物が欠かせません。添景としての人物ではなく、都市景観の中で生きている姿を描きたいのです。
　さらに数あるベニス訪問動画の中で、上記動画を選んだのは、一にも二にもライセンスの観点です。概要欄にはハッキリと、

クリエイティブ・コモンズ著作権表示必須ライセンス（再利用を許可する）

と表記されており、撮影者に直接許可を取ることなくこの動画の中の映像を利用できるからです。

　このように準備を進めている中で、日本ではとても開催されるはずがないと思っていた「カナレット」展が行われると知り、訪問することにしました。

　それでは、展示順に記述したいと思います。

どのような観点で西洋風景画を見たのか

　感想に入る前に、どのようなところに注目して鑑賞したのか述べたいと思います。

　今年に入って線スケッチの観点で、展覧会訪問記事を幾つも書いてきました。最近は特に、日本絵画における夜の描写や青空と白い雲の描写について焦点を当ててきました。

　今回は、一転して西洋絵画ですから、以上の最近私が関心を寄せている観点を念頭に以下の観点で鑑賞しました。

　それでは、会場の展示順に感想を述べていきます。

第1章　カナレット以前のヴェネツィア

　カナレット以前の画家達が描いたヴェネツィアと謳っていますが、実際には1580-1600年頃に描かれた下記のネーデルランドの画家による絵のみです。

　地平線がカンヴァスの半分に近い位置で、「ヴェネツィア全景」と云いながら、空と海の部分が大半で建物の部分は細い帯状にすぎません。
　ですから、空の部分では、何と形容したらよいのか胸騒ぎするような雲と、群れなす海上の船の描写が主役になっています。後年のカナレットの描写に比べ、ずいぶん暗い印象です。

　この絵が描かれたのは、我が国の年代でいうと安土桃山時代になります。水墨山水以外はこのような引いた（遠近）が際立つ風景はあり得ません。おそらく、日本人画家ならば、洛中洛外図のように、鳥瞰して、遠いところも線遠近法を使わず、多くの金雲で部分を隠しながら近景と同じ大きさにして描くでしょう。

　第1章では、カナレットと同年代の画家、ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロの油彩とエッチングが大半を占めます。
　図5の油彩では、主題のクレオパトラよりは、上空の明るい青空と白い雲の描写に眼が向いてしまいました。

第2章　カナレットのヴェドゥータ

　いよいよ主役のカナレットの絵です。線遠近法を用いる西欧絵画の良い点なのか悪い点なのか判断しにくいのですが、近景の建物を大きく入れようとすると、このように遠方が小さく、しかも地（水？）平線を下げざるを得ません。必然的に空の面積が大きくなり、単調を避けるために、いかに空を魅力的に描くかが勝負になります。
　日本の画家達（浮世絵版画）は青空に白い雲を避け、朝焼け、夕焼け、雨あられ、雪などの天候とすやり霞を多用しますが、西欧絵画の場合は、すでにこの時代から、青空と白い雲に真っ向から勝負しています。
　なお、同時代、カナレットから見れば地球の反対側、海の向こうの司馬江漢、小田野直武らが、遠近法と青い空と白い雲の風景画に一生懸命取り組んでいるのを考えるとある種の感慨が湧きます。

　なお、カナレットの描く人物は、大きさこそ小さいですが、単なる添景ではなく、一人一人意味ある姿で描かれています。元となるスケッチが見たいものです。

　以下第2章では、カナレットの作品群が続きます。

　この絵も、地（水）平線はかなり下に位置します。奥の新市庁舎の塔を入れるためでしょう。青空の中、尖塔の背後と新市庁舎の背後の雲の描写もよいですが、右側から左にシャワーのようにそそぐ白い雲はなんでしょうか？

　なお、左のサン・マルコ大聖堂に比べて、正面の新市庁舎の建物が異様に小さく見えます。解説によれば、本来新市庁舎はこのように全体は見えないのだそうです。画家は、この部分を遠近法的に歪ませて全体が入る様に絵画として創ったようです。

　これは会場の壁一面を占めるかなり大きな作品です。図6、図7同様、空の部分が広くとられています。しかし、祭典の様子を描いているため、かなりの数の船と人物が描かれ、日常ではない華やいだ感じが充満しています。

　以下、それぞれ部分を拡大して観察します。

　遥か遠方の建物や運河の船と人々も手を抜かず描き切っています。

　いつもの通り、青空に白い雲の描写はぬかりなく。

　窓から、岸から眺める人達、レガッタを漕ぐ人たちの活き活きとした描写、波の描写に注目です。

　カナル両岸の建物群を拡大しました。カナレットは、建物群を描く場合定規を使ったと言われています。通常定規を使うと、写真（当時はありませんが）のようになる、あるいは設計図のようになり、絵画的情趣が乏しいものになりがちですが、カナレットの場合、建物に雰囲気があるのです。なぜでしょうか。

　以上紹介した《カナル・グランデのレガッタ》とは別の祝祭の光景を描きます（図９）

　その20年後、今回の展覧会のチラシに採用された、同じ昇天祭の光景《昇天祭、モーロ河岸のブチントーロ》（図10）を描きます。

　両者はほぼ同じ位置からの光景を描いていますが、明らかに絵の描写は変化しています。海上部分の描写を比べてみましょう（図11）。

　図11をそのままではなく、画像をクリックして拡大してみていただくと、明白な違いが分かります。その差は白い光の粒の数の違いです。

　光の反射を表す白い絵具の粒はフェルメールの絵で有名ですが、カナレットも使っています。しかし、1938-1942年の上部の絵では、一番手前の船を漕ぐ人物の首と船べりに数点白い粒を打つ程度なのに、1760年の下の絵では、手前の船や人物だけでなく、遠く河岸の人々や接岸する船および人物の上に、じゅつつなぎになるほどに数多く白い点を打っています。加えて、船や櫓が引き起こす波しぶきも真っ白に強調されています。

　さて、カナレットは、ある時期ロンドンに移り住みます。以下、ロンドンでの作品です。

　図10を除いて、ロンドンの都市風景ですが、ヴェニスと同様、地平線は低く、空の面積が広い構図です。産業革命以前のせいかロンドンでも青空に白い雲が健在です。しかし心なしか、ヴェニスよりも絵全体が暗めです。

　ロンドン時代にローマの絵も描いています。

第３章　カナレットの版画と素描ー創造の周辺

　以上紹介したのは全て本格的な油彩の風景画でした。第3章では、題名にある通り、カナレットのペンの動きが直接感じられる素描と銅版画で、「創造の周辺」と副題にある通り、スケッチする筆者にとっては大変ありがたい展示でした。

　素描とはいえ、建物は大変精緻に描写されています。おそらく定規で線を引いているでしょう。ところが、人物は、闊達なインクの線で描写され、顔の描写はカナレット独特で線を引く時の勢いや息づかいまで感じられます。
　下記に拡大表示したものを示します。

　残念ながら、素描の実物の展示は少なく、会場では壁に素描をまとめた動画が写しだされていました。素描の人物が大写しにされていて、カナレットの線描を楽しむことが出来ます。
　数少ない展示素描作品の内、《ドーロ風景》（図14）とその部分拡大図（図15）を以下に示します。

　部分拡大図でカナレットの線描をご覧ください。

　次にその素描を基にした銅版画と、珍しく樹木を大きく描いた風景銅版画を示します（図16、17）。

　カナレットはこれまで紹介してきたようにベニスの都市風景が中心ですが、どこを切り取っても絵になりそうなベニスでは、その絵の力量は評価しにくいところがあります。
　ベニスを離れて描いた上記2枚の何気ない場所を描いた銅版画から、カナレットの風景の切り取り方、描写力に彼の非凡な力量を私は感じます。

　なお会場はこの後、第4章「同時代の画家達、継承者たちーカナレットに連なる系譜の展開」、第5章「カナレットの遺産」と続きます。カナレット以後の19世紀、20世紀初頭までの西洋絵画の変遷を見ることが出来、大変興味深かったのですが、この記事では省略することにいたします。

　個人的には、久しぶりにウジェーヌ・ブーダン、クロード・モネ、ポール・シニャックの近代フランス絵画の実物作品を見ることが出来、あらためてその筆遣い、色使いからジャポニスムについても考えさせられました。
　参考までに、モネの絵（図18）を載せます。カナレットの風景画との違いをご覧ください。

さいごに

西欧絵画における人工と自然、空間性について

　この展覧会訪問記事のシリーズタイトルにありますように、記事の目的は『「線スケッチ」の立場で鑑賞する』です。

　ですから、いつもは素描の鑑賞が中心になるのですが、今回は全く違いました。

　私はここ数年、線スケッチに関わる西洋の画家以外は、全て中国絵画・日本絵画を中心に展覧会を見てきました。そのためすっかり東洋絵画の眼になって今回のカナレットの絵画に向き合ったのです。

　正直に言うと、日本絵画を見慣れた目では、カナレットの絵画空間にめまいをおこしました。
　それは日本の絵画に無い、堅牢な建築物群とどこまでも地（水）平線の奥まで続く遥かなる眺望、そして左、右、上部の三次元奥まで広がる空の空間、すなわち画面の隅々まで描かれた広大な空間構築性のためです。

　実は会場ではその理由が分からず、この記事を描いていて気が付きました。

はたして建築美、人工美だけなのか？

　特筆したいのはベニスを描いたカナレットの絵には樹木がまったく描かれていないことです。
　ベニスは、浅瀬に膨大な数の杭を打ちその上に建物が建てられた、海上の完全な人工都市です。ですから樹木が生える余地はなく、建築美=都市美=人工美とするならば、ベニスの都市画は究極の人工美、都市美の絵と云えるでしょう。

　その観点で、彼の絵の中の自然を探すと、「空と雲」と「海面と波」のみになります。そしてあえて人間を”動物”としてみなすと、描かれた人間も自然の一部に入ります。
　すなわち、彼の絵の中で、人間が制御できない自然物は空と雲、海と海面の波、そして動物としての人間の三つになります。

　ところで、よく言われているように西洋人は自然に対して人間を上位に置いている、すなわち自然は人間が制御できる対象物に過ぎないという思想でカナレットの絵を眺めると、「それにしては、完全な人工物である建築物よりも、自然物である空と雲、海と波、人間の比率があまりに大きくありませんか」と西洋人に問いかけたくもなります。

　その問いは面白いというか、皮肉だととられるのか分かりませんが、そう問われた西洋人は当惑するしかないかもしれません。
　なぜならベニスの街を描く際に、近くの建物を大きく、そして風景全体を西欧絵画の基本である透視図法で描く限り、必ずや空や手前の海の面積が大きく成らざるを得ないからです。

　しかし、だからこそ画家は空と雲、海と波、人間たちの描写を手を抜かず、隅々まで描いているのだとも言えます。
　そのために、私が見る限り、人工物（建築）の冷たさは消えて、空と雲、海と波、人間の動きがあるために、観る者に自然がもたらす安堵、癒しから来る暖かみを感じさせ、建築美だけではないカナレットの風景画の美を生み出しているとはいえないでしょうか？

はたして西欧人だけが「空間恐怖」なのか？　なぜ日本は地平線を高く上げて空を狭く描こうとするのか？

　以上のように見てくると、逆に日本の絵画のことも振り返りたくなります。

　特に、空の描写について焦点を当てると、上で述べた様に、カナレットは空を無駄なものとして見てはいません。青空と雲を魅力的に描いています。

　一方、カナレットと同時代の日本はどうでしょうか？　司馬江漢や秋田蘭画の画家達が青空と白い雲を描き始めた頃です。しかし当時の一般の人々にとっては、そのような絵を眼にする機会は無く、おそらくやまと絵や水墨画の伝統の、１）近景を描くだけで数十m先は霞や霧にして隠す（花鳥図、金碧障屏画など）２）遠景を描く時は、地平線を最上部に上げ、中景からすやり霞、金雲で隠す（吹抜屋台や洛中洛外図の鳥瞰構図）、３）水墨山水のかすみと山頂上部の空白部分　などの絵しか知らなかったと思います。

　私は最近の記事で、19世紀の葛飾北斎や歌川国芳、歌川広重の風景画（浮世絵版画）になって、ようやく近景はもちろん、中景で覆いつくすように描かれたすやり霞や雲がなくなり、そして地平線が上部にある従来の鳥瞰構図だけでなく、地平線が画面の中ほどに設定し、地平線近くの遠くの山々や森が雲で隠されることなくすべてクリアに描かれ（すやり霞が描かれる場合もありますが）、しかも青空と白い雲を堂々と描かれることが始まったことを指摘しました。

　しかも北斎、国芳、広重は、近景、中景、遠景にあるモティーフの配置に対し西洋の遠近法を必要に応じて使いこなしているのです。

　かくして、私は常々思っていた疑問：「江戸時代の日本の絵画はあまたあるのに、なぜ北斎や広重の浮世絵版画だけがジャポニスムとして西欧絵画に特別な影響を与えたのか」に対する答えとして、「北斎、広重の風景画だけが、西欧の遠近法を用い、余白やすやり霞、雲による隠ぺいのない風景画を描いたので、すでに西洋人に受け入れられる素地があった」という仮説を最近述べました。

　このように、絵画の歴史の文脈で考えてくると、定説のよう頻繁に言われる「西洋人は余白を理解せず、全ての画面を埋め尽くさずにはいられない「空間恐怖」を持つ」という説に対するある疑問が湧いてきました。

　それは、西洋人のみが「空間恐怖」を持つのか？　日本人は本当に持たないのかという疑問です。

　先に私の言いたいことを述べます。すなわち、

　です。

　あれほど、天井を抜いて部屋一面を上から描写したり（吹抜屋台）、地平線をあげて地上部分ばかり描写する構図（鳥瞰）を見ると、日本人は古来から空を描く恐怖があったのではないかとしか思えません。

　なお北斎、広重では鳥瞰構図だけではなく、西洋的に地平線を降ろした絵を描くようになりましたが、面白いことに明治以降大正以前の「日本画」では、霞や霧で隠すか、遠景を描く場合またしても地平線を画面の最上部に位置する絵が主流になってしまいました。

　よほど「空」が嫌いに違いありません。

　以上カナレットの絵を、私が最近関心を寄せている観点で感想を述べましたが、もっと絵画史的にきちんとした鑑賞をしたい方は、SOMPO美術館の学芸員の方と、美術評論家の千足伸行氏が出演しているカナレット展特集の下記二つの動画をご覧ください。

（おしまい）

　前回の記事は下記をご覧ください。