L.Y.P.S

Shingo Suzukiの新しいソロプロジェクトを始めた時、プロジェクトの冠言葉が欲しかった。というのもこのプロジェクトはプレイヤーたちの音が詰まったバンドサウンドで今までのソロ作品とは異なり、コンセプトがはっきりとしているから。わかりやすい言葉でみんなに知ってもらいたかった。バンドとして捉えて欲しかった。
そこで、1stアルバムが出来上がりタイトルが「Liquid Yellow Portraits」と決まったところで、頭文字をとってプロジェクト名を「L.Y.P.S」とした。

Shingo Suzukiのソロ作品は打ち込みによるビートメイキングや自らギター、ベース、キーボードなどの生楽器の演奏、そしてレコーディングやミックスを一人で完結させる多重録音の「自宅スタジオ作品」という趣が強い。曲調としてはミニマルなヒップホップのビート作品であろう。聴こえてくる和音感、コードワークはシンプルな２つ、３つの展開にとどまり、ストイックなドラムビート、ベースのリフと共にウワモノ楽器が展開し、生演奏のギターやベース、キーボードは一度サンプリングされて散りばめられる。

「L.Y.P.S」はソロ作品であるものの、制作プロセス、スタンスが全く違うし、プレイヤーたちの個性的な音が全面に出てくるので、プロジェクト名が必要だった。

「L.Y.P.S」はヒップホップとジャズの感覚が音の土台になっている。加えて、時に叙情的でアンビエント、フォーキーなサウンドを混ぜ込んでいる。作曲、楽器選び、音作り、アレンジとミックス、それぞれの段階でコンセプトがある音楽。自ずと決まりが出てきて、制限が出てくる。わかりやすく言い換えると、ジャズのスタンダードのアドリブの部分に近い感覚。なんでもアリのアドリブではない。コード進行があって、ビート、ノリがある中で各楽器がお互いに共鳴しながら、語るようにフレーズを紡いてゆくアドリブ。「L.Y.P.S」の制限はヒップホップ的な要素いえば、厳選したコードワークのリフレインとドラムのビートパターン、ベースのリフ的演奏。ジャズ的な要素といえば、まずは生身の人間による楽器の演奏。曲の作り方、考え方。コードワーク、ドラミング。アコースティック楽器が主体となって構成される骨太な音楽。自由な演奏。即興性。許容範囲が大きい。その制限の中で自由に作り上げる。最低限の枠組みを作り、そこから発展させる音楽。作り方や感覚は今の時代の音楽。ヒップホップとジャズは実に相性が良い。よく聞く音楽もヒップホップとジャズがクロスオーバーしたインディペンデントな雰囲気のものが多い。聴いていると共感するところがたくさんあって、「それそれ、それだよね」と話しかけたくなる。

作曲はプレイヤーたちの演奏をイメージして作ってゆく。大概は鍵盤で作曲を始める。鍵盤トリオが「L.Y.P.S」バンドの最小単位のなのでピアノかエレクトリックピアノで作る。ドラムはジャズ、ヒップホップのフィーリングが漂う。新鮮に響くドラムパターンをいつも考えている。リフレインされるピアノは時に自由に、大胆にアドリブの演奏がでてきて、一番ジャズ的なフィーリングを感じるパート。ベースは深く這うような音色とフレーズで両者を繋ぐ。

ブラジルのサンバの曲やヒップホップトラックのようにリズムパターンとメロディー、コードチェンジはシンクロする。無理やり後付けでドラムをつけると一体感がなくなるので、ドラムが入る曲を想定している時はビートのフィーリングを感じながら作曲してゆく。メロディやコードの流れが浮かんだ時に、頭の中で浮かんだドラムパターンやノリを一緒に書き留め、打ち込んでおく。印象的で特に曲の主軸となる時は打ち込みでドラムのビートを作りはじめ、そのドラムのパターンやノリに寄り添ってベースやピアノのパターンは自然にシンクロするように作る。

テンポは曲を作っている段階で既にに大体想定するけれど、後々変える事もある。特にライブでは自由に変化させる。打ち込み曲はパソコン上で音色など全て作り込んでいくこと自体が作曲となる。けれども「L.Y.P.S」はライブでもレコーディングでも変化してゆく音楽。楽譜にメロディーとコード進行、ドラムのパターン、ベースラインのリフなどがシンプルに書かれていて、手書きの文字でフィーリングなどを紙に書き込むことが作曲となる。このあたりがジャズ的な考えだと思う。本来なら楽譜を作った段階で曲は完成しているけれど、制作プロセスには周囲の人たちに聴いてもらう段階があり、わかってもらうためにデモ音源を作り込んでゆく。ざっくりと打ち込んだだけでは、わかってくれないことがほとんどなので、最終の状態がイメージできるように作り込む。

アイディアの源泉となるのは日々聴こえてくる音楽と今まで自分が聴いてきた音楽。音楽はゼロから曲が生まれることはないし、昔からの地続きで進化する。雰囲気、ジャンル、テイスト、時代、そのような装飾から作曲することはない。それらは今の時代、特にチャートインする音楽の重要なファクターかもしれない。けれども飾りを取り払ってメロディー、ハーモニー、リズムといった芯を掴んで作曲をする。鼻歌で歌ってみる。そして、歌や楽器に変換する。シンプルにピアノトリオで成り立つように。その後、シンセサイザーやサンプラー、エフェクターなどを使って装飾とアレンジをするのが「L.Y.P.S」の作曲方法。自分はベーシストでライブではベースを演奏し、ピアノは弾かない。けれども作曲は特にRhodesピアノでアコースティックな響きを感じながら作ってゆく。もしくはシンプルにピアノで作ってゆく。鍵盤楽器でコードの展開やそのボイシングを作り込む。もし「L.Y.P.S」がドラム、ベース、ピアノのトリオフォーマットよりも小さな単位なら、ソロ鍵盤、ということになると思う。鍵盤楽器はメロディ、ハーモニー、リズムを同時に表現することに向いているから。

一旦、ピアノトリオで成り立つ曲が出来上がったら、デモ音源としてアレンジを始める。楽曲の構成やピアノ、エレピ、シンセなどの楽器選び、サンプリングの素材作成、テンポの設定など。「L.Y.P.S」のデモはクラシカルな作曲方法だけれど、デモ音源は今っぽい。パソコンを立ち上げ、緻密にデモを作り上げてゆく。

特にドラムはフィーリングが大切なので、細かく打ち込んだり、サンプル素材を貼り付けたり、基本となるパターンとグルーブを作り込む。レコーディングの時にドラムの演奏者が理解できるように。モリマサ（守真人）は「L.Y.P.S」のドラマー。僕が作ったデモのドラムの打ち込みをすぐさま理解し、自分の演奏スタイルを加えてより音楽的に表現してくれるるので、デモ音源は緻密にドラムのを打ち込むが、余計なフレーズは入れない。あくまでデモとして、作りこむ。

「L.Y.P.S」のアコースティックピアノ、エレクトリックピアノは渡辺翔太。翔ちゃんの演奏を頭の中で思い浮かべながら、自分が思い描く響きをデモ音源を作る際に落とし込む。「L.Y.P.S」の曲はコード進行が短い単位で反復する。その中でメロディーが変化する。反復するピアノのコード進行は例えばヒップホップ的な考えだとサンプリングされた‘ネタ’。そのピアノのリフはメロディ的な要素がある和音として捉えるし、リズムの一つとして捉えるのでのでそのボイシング、トップノートが大切になってくる。デモ音源ではシンプルに鍵盤で演奏しながら作りこむ。それを翔ちゃんに聴いてもらいニュアンスを伝える。すると翔ちゃんは自分のフィーリングを色濃く加えて、攻めた演奏をしてくれる。リフはミニマムな‘ネタ’に捉えることができるけれど、大胆に大きく動いたり、アドリブを加えたり、自由な演奏に発展させることもしばしばある。レコーディングは打ち込み用のピアノ音源ではなく、アコースティックピアノを録音するので、デモよりはるかにダイナミクスと空気感あふれる音となる。

作曲し、デモ音源を作り、寝かせる。デモ音源の調整をする期間が長いのは「L.Y.P.S」を自分のライフワーク的な位置付けのプロジェクトとして捉えている故の贅沢かもしれない。

大きな時間の流れの中でじっくりと集中して作りあげる「L.Y.P.S」の作品群は自分の日々の生活が色濃く反映される。2020年にはコロナが流行り、息子が生まれ、翌年に父が他界した。それまでの生活が一変した。何かを今、作り出さなければいけないという使命感に駆られたし、その欲求がうずうず湧いてきた。自由で囚われのない気持ちを表現する制作が必要だった。それはやはり音楽だったので、今まで頭に描いてきたプロジェクトを具現化させて行くことにした。今しかなかった。前のめりに、制作に没頭した。

内向きで自己完結する音楽は作りたくなかった。内省的な音楽ではなく、聴き手と共有できる音楽を作りたかった。外向きでありつつ抒情的な部分も取り入れたかったので、バランスを保ちつつ、制作に取り掛かった。抽象的な揺らぐ心象表現の音ではなく、直感的で、フィジカルな音楽を作りたかった。根源的に訴える、湧き上がる、あのフィーリング。ドシっと体に刺さる疼くベースにスピード感溢れ高揚するドラム、そして一帯を覆い尽くし、満たしてくれるピアノの響き。

今一度、自分のルーツとなっている曲を貪るように聴いて、同時に今流れている音楽をSNS、サブスク、CDショップなどで探し、好きなフィーリングを取り込んでいった。コード進行やドラムのパターン、ベースのフレーズは特にSNSで日々アップされるミュージシャンたちの動画が刺激となった。レコーディング、ミックスされた楽器の音色や作りこみ、空気感はサブスクのプレイリストを流し、掴んでいった。それらをスクラップ帳に集めて行くような感覚でアイディアの源泉としていった。それらのアイディアと昔聴いていた音楽を再度聴いて、自分の中に落とし込み、制作に生かした。デモ音源は音源の最終形態がイメージできるように音像を整えていった。

作り上げたデモ音源を元に、モリマサと翔ちゃんとともにスタジオレコーディングを行い、家に持ち帰ってパソコンに取り込みデモ音源のドラム、鍵盤、ベースを差し替えるとデモ音源は生き生きとした。別物になった。このベーシックを元にレイヤ（寺久保伶矢）のトランペットをスタジオにて録り重ねて、素材が揃った。レイヤの音は他の二人と同様に、既にスタイルが確立していてとても個性的で一気に曲を立体的なアレンジのある楽曲に仕立ててくれたし、スパイスを加えてくれた。ディレイ、モジュレーション、歪みのエフェクターを駆使してトランペットの音を拡張したスタイルはロイハーグローブらが発展させてきた今の表現の一つで、それを自分の音にしている。ただ、エフェクトをかける前の音が素晴らしく、素のトランペットの音がマットで厚みと重心が低い音でブレスも多分に含んでいて、とても心地よい。シンガー/ラッパーにRuri Matsumura,Nenashi,Kojoe,5lack,Ol'Kが参加し、それぞれの持ち味を生かしてウタモノ曲が完成した。どのシンガー/ラッパーもやはり個性的で、スキルがあり、さまざまなジャンルを飛び越えるアーティストたちなので、言わずもがな、どの曲も重厚な仕上がりになった。

レコーディングを終え、ミックスもアレンジと捉えて緻密に一つ一つの楽器の音色を作りこみ、シンセサイザーやサンプリングされた音を混ぜ込み、曲単位ごとの世界観を作り込みつつ、全体像に一つ一つのピースとして仕上げていった。重心の低い音色のドラム、過剰にEQで削り落とさないピアノの音とトランペットが生々しく響く。ベースは削ぎ落とされたフレーズで全体を支える。楽器数が少ない分、シビアなミックスとなった。

クレジットはシンガー/ラッパーを敢えてフィーチャリング表記をすることは避けた。プロモーションとしては、いわゆるウタモノ曲は特にfeat.とした方が良いかもしれないし、わかりやすいかもしれない。けれども「L.Y.P.S」は作品として演奏者、歌い手は同じ立ち位置として考えていて、特に「Liquid Yellow Portraits」はそのカラー決定づけたかったので、フィーチャリング表記を避けた。代わりに大々的にミュージシャン全員の名前をアルバムジャケットに大きく書き込んだ。
僕たちの地続きの人生が交差して生まれた、今この時代にしか鳴らせない肖像画（Portraits）なのだ。