これからの二次創作の話をしよう

とあるイラストレーターのプロフィール欄には、こんな一文が並んでいることがある。「無断転載禁止」「AI学習禁止」。そのすぐ下に投稿されているのは、大手ゲーム会社が権利を持つキャラクターを、公式の許可なく描いたイラストだったり、FANZAやDLsiteで販売している二次創作同人のリンクだったりする。

これは特定の誰かを断罪するための話ではない。むしろ、この光景があまりに見慣れたものになっていて、誰もそこに矛盾を感じなくなっているという事実こそが、この記事で考えたいことの入り口になる。二次創作という営みは、いつの間にか「権利者の意向を尊重すること」と「権利者の意向を都合よく脇に置くこと」を、同じ人間が同じ胸のうちで両立させる技術になった。これは誰かの悪意の産物というより、二十年以上かけて積み重ねられてきた、ある商習慣が行き着いた先だと考えたほうがいい。

この記事では、2000年代のコミケ的な同人文化から現在のサブスクリプション・コミッション経済まで、二次創作をめぐる市場とルールがどう変わってきたかをたどる。そのうえで、その変化のなかで絵師界隈の倫理規範が――おそらく誰にも意図されないまま――どう歪んできたのかを考えてみたい。

グレーゾーンという発明――2000年代までの同人文化

1975年、32サークルの小さな即売会として始まったコミックマーケットは、2000年代に入る頃には夏冬合わせて年間100万人規模が動く、日本最大級の文化イベントに育っていた。そこで頒布される同人誌の大半が既存の漫画・アニメ・ゲーム作品を題材にした二次創作であり、法律上は著作権侵害にあたることも、業界の内側では公然の事実だった。

それでもこの巨大な市場が数十年にわたって崩壊せずに機能してきたのには、いくつかの構造的な理由がある。

第一に、日本の著作権法上、多くの著作権侵害は親告罪であり、権利者が告訴しない限り事件化しない。権利者には「見て見ぬふりをする」という選択肢が、最初から制度的に用意されていたわけだ。第二に、同人誌は印刷費、搬入・搬出の手間、年に数回のイベント当日限りの頒布といった物理的な制約によって、自然と規模の上限を持っていた。多くのサークルにとって同人活動は実質的に印刷費の回収が目的であり、「大儲けするための商売ではない」という建前は、少なくとも経済実態としてはおおむね嘘ではなかった。第三に、「どこまでなら許されるか」という感覚は、明文化されたルールとしてではなく、サークル間の口伝や暗黙の作法として、共同体の内側で世代を超えて継承されてきた。

興味深いのは、コミックマーケット準備会自身が、この状況を甘く「グレーゾーン」と語ってこなかったことだ。法律上、著作権侵害はグレーではなく白か黒かのどちらかであり、同人活動は権利者の黙認という好意の上に成り立っている――これが、長年にわたって同人文化の当事者たちが繰り返し確認してきた自己認識である。2015年前後、TPP交渉に伴う著作権侵害の非親告罪化が議論された際には、コミックマーケット準備会自身が文化庁の会議にヒアリング団体として参加し、「対象はデッドコピーに限定し、二次創作は除外すべき」という方向性の形成に関わってもいる。同人文化は自らの立ち位置を、権利者の温情の上に築かれた不安定な特権として、かなり自覚的に理解してきたのだ。

その「暗黙の上限」がどこにあったかを、皮肉にも鮮やかに証明してしまったのが、2005年に発覚したいわゆる「ドラえもん最終話」同人誌問題である。ある同人作家が原作の画風を忠実に再現した「最終話」を同人誌として頒布したところ、あまりの完成度の高さから公式作品と誤認する読者が続出し、半年で異例の1万3千部を売り上げるヒットとなった。版元は翌2006年、著作権侵害として警告に踏み切り、最終的に作者が売上の一部を支払い、在庫を廃棄し、二度と行わない旨を誓約することで決着した。当時の担当者が語ったところによれば、それまでも「そこそこの」規模であれば黙認してきたが、ネット上で歯止めなく拡散していく事態には看過できない危機感を覚えた、という趣旨のことを述べている。

つまり権利行使のスイッチを入れたのは、二次創作という行為そのものではなく、それが暗黙の許容量を超えて可視化されたことだった。この一件は例外というより、「なあなあ」の同人文化がどんなルールで動いていたかを、図らずも最も明確に言語化してしまった事件だと言える。

市場が変わった――単発の同人誌から、継続課金の経済へ

この均衡を静かに、しかし決定的に崩したのが、2000年代後半から進んだ二次創作のデジタル化とマネタイズ手段の多様化である。

2006年のニコニコ動画、2007年のpixivの登場によって、絵師が作品を発表しファンを獲得する場は、年に数回の即売会から、常時アクセス可能なウェブ上のプラットフォームへと移った。そして2010年代後半になると、pixivFANBOX、Fantia、Ci-en、海外向けのPatreonといった月額課金型のクリエイター支援サービスが次々と立ち上がり、単発のコミッション報酬に応じるSkebのようなサービスも定着していく。

ここで起きた変化は、単に「稼ぐ手段が増えた」という以上の意味を持つ。かつての同人誌頒布は、印刷費という物理的なコストに縛られた、実質的に自己制限的な経済活動だった。ところがサブスクリプション型のプラットフォームは、印刷費という上限も、イベント当日という頒布機会の制約も持たない。継続的に、無制限に、世界中から収益を積み上げることができる。「なあなあ」の同人文化を支えてきた「所詮は印刷費の足しにしかならない趣味の延長」という経済的な建前は、この時点でかなりの部分が実態と乖離し始めた。

この乖離がもっとも先鋭化するのが、成人向け表現の領域だ。多くの権利者ガイドラインは性的表現を明示的に、あるいは「公序良俗に反するもの」といった形で暗に禁じている。それにもかかわらず、版権キャラクターを題材にした成人向け作品を継続的な有料コンテンツとして提供し、それを主な収入源とする絵師は珍しくない。ここで用いられるのが、「作品を見る対価」ではなく「創作活動を応援してもらう投げ銭」だという建前である。同種の疑問はファンの側からもたびたび投げかけられており、「クリエイター支援という名目で実質的に版権キャラの有料コンテンツを売っているのは屁理屈ではないか」という趣旨のやり取りは、ネット上の質問掲示板やSNSでも珍しいものではない。

さらに2021年から2022年にかけては、NFTブームが同人・イラスト界隈を新たな形で揺さぶった。有名作品はもちろん、無名の同人作家の作品までもが、本人の許諾なくOpenSeaなどのマーケットプレイスに勝手に出品される事件が相次いだ。誰が何を作り、誰がそれを収益化してよいのかという線引きは、プラットフォームが増えるたびに、かえって混乱の度を深めていった。

ガイドラインの時代――明文化は何を変え、何を変えなかったか

こうした混乱を受けて、権利者側にも変化が生まれた。2010年代半ば以降、企業が自社IPについて「二次創作ガイドライン」を明文で公開する動きが目立ち始め、以後、ガイドラインの整備は業界標準になりつつある。現在では70件以上のIPのガイドラインを横断的に一覧・比較できる専門のまとめサイトまで存在するほどで、この種のサービスが成立すること自体が、ルールの数がもはや個人の記憶や見識では追いきれない水準に達していることを物語っている。

ただし、明文化はイコール明確化ではない。

任天堂が2018年に公開した著作物利用ガイドラインは、ゲーム実況やスクリーンショットの投稿については具体的な条件を定めている一方で、いわゆるファンアートについては明確にガイドラインの対象外とし、「各国の法令上認められる範囲内で」行うようにとだけ述べて、個別の問い合わせにも応じないとしている。つまり、最も投稿数が多く、最も線引きが難しいはずのイラスト領域こそが、ガイドライン整備が進んだ後も、あえて未規定のまま残されているのである。

一方で、ホロライブを運営するカバー株式会社のガイドライン(2025年8月改訂)は、音楽利用や切り抜き動画まで含めた詳細な条項を備えており、整備の度合いという点では業界の先端にある。しかしその内実を見ると、判断基準そのものは「タレントが不快と感じる創作活動は控えてほしい」「いわゆる同人活動や趣味の範囲で」「当社が不適切と判断するもの」といった、依然として主観的・裁量的な文言で構成されている。スパイク・チュンソフトのように、頒布数量100個以内・売上見込み10万円以下・対面販売限定といった具体的な数値基準まで定める企業がある一方で、こうした曖昧な言葉遣いにとどめる企業も多い。つまりここで起きているのは、暗黙のルールを明文化することによる解消ではなく、暗黙のルールをそのままの柔らかさで公式文書に格上げする、という現象だ。最終的な線引きの権限は、以前と変わらず権利者側の裁量に残されている。

スクウェア・エニックスのように、シリーズや個別タイトルごとに別々のガイドラインを設けている企業も多い。これは同じ会社の作品を描く絵師であっても、作品ごとに異なる文書を読み込まなければならないことを意味する。

VTuber業界はさらに独自の複雑さを抱えている。ホロライブや、にじさんじを運営するANYCOLORなど、事務所ごとに切り抜き動画の扱い(登録制、事前審査制など)や収益化条件が異なるうえ、個々のタレントがガイドラインに独自ルールを上乗せしているケースもある。ANYCOLORは2025年5月にもガイドラインを改定し、切り抜きチャンネルの事前登録制を導入したばかりだ。ルールは確実に整備されつつあり、運用も現実に機能しつつある。しかしそれは同時に、絵師や切り抜き師が事務所ごと・タレントごとに異なる規約を常に把握し続けなければならない、という新しい負荷を生んでもいる。

この十年ほどの変化を総括すると、こうなる。ガイドラインは「ほぼ存在しない」状態から「大量に存在する」状態へと確かに進化した。しかしその多くは、暗黙のうちに共有されていた曖昧な基準を、そのままの曖昧さで公式文書に移植したにすぎない。しかも会社ごと、作品ごとにばらばらで、統一的な基準には程遠い。そして何より、これらのガイドラインの大半は単発の同人誌頒布を想定して設計された発想の延長線上にあり、継続課金プラットフォームという、実際にもっとも多くのお金が動いている領域を正面から想定できていない。

絵師の倫理を蝕む4つの病理

ここまで見てきた変化――マネタイズの高度化と、ガイドラインの部分的な整備――が組み合わさった結果として何が起きたか。それは、二次創作をめぐる「なあなあ」の中身が、静かに、しかし決定的に入れ替わったことだと思う。

建前としての「投げ銭」

かつての「印刷費の足しに」という建前には、少なくとも経済的な裏付けがあった。今日の「支援であって対価ではない」という建前の多くは、継続的で相当額に上る収益を、あくまで人道的・友愛的な支援という言葉で覆っている点で、実態との距離がはるかに大きい。この言い換えを「屁理屈ではないか」と感じる人が、同じ界隈の内側にすら存在することは、すでに触れたとおりだ。建前としての言葉は同じでも、その言葉が覆っている経済実態は、この十数年でまるで別物になっている。

裏垢という発明

ガイドラインに反する創作、とりわけ成人向け表現を、公式に準拠した「表垢」とは別の、発見されにくい「裏垢」で展開する運用は、今やごく一般的な処世術として定着している。ここで新しく界隈に入ってきた絵師たちに伝承されている作法は、「権利者が何を望んでいないかを理解し、それを尊重する」という態度ではなく、「自分の活動をどう可視化しないか」という技術である。両者は似て非なるものだ。前者は権利者への敬意を土台にした自制であり、後者は発見リスクの管理にすぎない。だが実務上は同じ「グレーな二次創作との付き合い方」として、同じ言葉で語られ続けている。

「バレなければセーフ」という運用

「ドラえもん最終話」事件が図らずも証明したように、権利行使のスイッチを入れるのは行為そのものではなく、それが可視化される規模である。この原理は、物理的な同人誌の時代から現在のSNS・サブスク時代まで、驚くほど一貫して機能し続けている。結果として絵師界隈に根付いたのは、「権利者の意向」という原則ではなく、「どこまでなら見つからずに済むか」という、常に更新され続ける相場観だ。この相場観はIPごと、権利者の機嫌ごと、そのときどきのSNSの空気ごとに変動する、極めて不安定なものである。しかも厄介なことに、大きなファンダムを抱える人気絵師ほど、公式が表立って処分すれば炎上リスクを負うという理由で実質的に長い猶予を与えられがちである一方、無名の描き手はコミュニティ内部の相互監視によって同じ行為でもより厳しく裁かれることがある。ここで実際に運用されている規範は、原則の一貫性ではなく、可視性と社会的地位に応じて重みづけされた、極めて不均等なものになっている。

AIをめぐるダブルスタンダード、という一つの見方

もう一つ、近年になって表面化した論点がある。生成AIによる無断学習に対して、多くの絵師が強く異議を唱え、「AI学習禁止」の意思表示や、画像に防御的な加工を施す技術的な対策を講じるようになった。この主張自体は正当なものだ。しかし同時に、二次創作という営み自体が、長年にわたって権利者の明示的な許諾を得ずに他者のキャラクターを利用し、権利者が全面的な権利行使をしないことを前提に成立してきた側面がある――この構造的な相似に自覚的な絵師も、実際には少なくない。ある絵師は自身のブログで、二次創作をしている自分たちも公式に見つかれば本来はまずい活動をしているのだと率直に認めたうえで、AIをめぐる自分たちの主張との緊張関係について自省的に書いている。

もちろん両者を単純に同一視するのは公平ではない。個人が手で描く二次創作は、規模において自動化された学習とは比較にならず、経済的にも自己抑制的であり、表現としても原作への敬意や愛情を伴う変形的な創作である場合が多い。AIによる大量学習と生成は、個々の作家の生計そのものを市場で代替しうる点で、質的に異なるリスクを持つ。こうした区別を、多くの絵師は感情論ではなく、かなり筋の通った形で主張してもいる。

それでも、この論点が界隈の内部でたびたび議論の的になるという事実そのものは、示唆的である。「なぜ二次創作は許されるのか」という問いに対して、この界隈がこれまで持っていた答えは、突き詰めれば「原則」ではなく「実績」――これまで概ね黙認されてきたという経験則――だったのではないか。実績に基づく正当化は、権利者と創作者の立場が入れ替わったとき、驚くほどもろい。

以上の四つの症状に共通しているのは、「なあなあ」という同じ言葉で語られながら、その中身が、原作への敬意に根ざした自制から、発覚リスクに対する個人的な計算へと、静かに置き換わってしまったことだ。両者はしばしば同じ結果(黙って描き続ける)をもたらすため、当事者自身もその違いに気づきにくい。しかし前者を土台にした文化と後者を土台にした文化とでは、そこで育つ倫理観はまったく別のものになる。

とはいえ別の見方もある

ここまでの議論に対しては、当然、異論もありうる。

第一に、この「グレーゾーンの黙認」というシステムは、五十年にわたって驚くほど生産的に機能してきたという事実がある。同人サークルから商業タイトルを送り出す企業へと成長した例は珍しくないし、日本の漫画・アニメ・ゲーム業界で活躍するクリエイターの少なからぬ数が、二次創作からキャリアを始めている。権利者の側にとっても、二次創作は無償の宣伝であり、ファンダムのエンゲージメントを高める装置として明確に価値のあるものだ。実際、ホロライブのガイドラインは、所属タレントが配信で二次創作イラストをサムネイルとして使うことがある、とわざわざ明記している。これほどの果実を生んできたシステムを、単純に「歪んでいる」の一言で切り捨てるのは、いささか一面的だという見方はできる。

第二に、この記事が描いた「原則が可視性に置き換わる」という力学は、二次創作の世界に固有の病理ではなく、法のグレーゾーンが存在するあらゆる領域で一般的に観察される現象だ、という指摘もできるだろう。絵師界隈の倫理観だけを名指しして「歪んでいる」と論じることは、より広い構造的な問題を、特定のコミュニティの気質の問題であるかのように矮小化してしまう危険もある。

第三に、ガイドラインの精緻化そのものを、必ずしも歓迎しない立場もある。年々細かくなっていく規約や、企業が自衛のために積み上げていく法律用語の羅列を、ファン活動への信頼の証というより、むしろ企業の免責文書の肥大化として捉え、もっと緩やかで信頼をベースにした関係性のほうが健全だったと考える描き手も、界隈には一定数存在する。

これらの反論には、それぞれ相応の理がある。この記事の狙いは、二次創作という営みそのものを断罪することではない。問題にしたいのは、その営みを支える倫理感覚が、コミュニティの規模拡大と経済的成熟に見合うだけの一貫性を、まだ手に入れていないのではないか、という点にある。

これから何が必要か

必要なのは、おそらく「もっと厳しいルール」ではない。必要なのは「もっと一貫した運用」だ。

権利者側にできることは、まず、ガイドラインの適用が可視性や話題性によって左右されないことを示すことだろう。VTuber各事務所が近年進めている、切り抜き動画の事前登録制や審査制のような仕組みは、裁量を完全になくすものではないにせよ、「見つかったら運が悪い」という不安定な相場観を、多少なりとも予測可能な手続きに置き換える試みとして評価できる。また、企業ごと・タイトルごとにばらばらなガイドラインの語彙や構成を、業界内である程度共通化していくことも、絵師側の負担を減らし遵守率を高めるうえで意味があるはずだ。

プラットフォーム側――pixivFANBOX、Fantia、Skeb、DLsiteのような、実際に大半のお金が流れる場所――にも、これまでより能動的な役割が期待されていい。現状、これらのサービスの多くは決済インフラとしては優秀だが、版権ガイドラインとの整合性の判断はほぼ完全に個々の創作者任せになっている。

そして絵師の側に必要なのは、コミュニティの中で語り継がれてきた「どこまでなら大丈夫か」という相場観ではなく、実際に権利者が書面で示している内容そのものに、あらためて向き合うことだと思う。もちろんこれは、ガイドラインが依然として断片的で読みにくいことを考えれば、簡単な要求ではない。それでも、「見つからなければいい」という基準と、「権利者が実際に何を望んでいるかを理解したうえでそれを尊重する」という基準は、似ているようでいて、育てる倫理観がまったく違う。

おわりに――「これから」の二次創作のために

冒頭に挙げた、「AI学習禁止」と無許諾の版権イラストが同じプロフィールに同居する光景は、誰か個人の矛盾というより、この二十年の変化がある一人のクリエイターの中に凝縮された結果だと考えたほうが正確だろう。同人文化は、印刷費を回収するだけの小さな趣味の延長から、継続的な収益を生む一つの経済圏へと成長した。その成長速度に、権利者のガイドラインも、絵師界隈自身の倫理感覚も、まだ十分に追いついていない。

「これからの二次創作の話」は、誰が悪いかを裁く話ではないはずだ。それよりも、この文化に関わる一人ひとりが、自分がどこから何を受け取り、何を求められているのかを、もう一度きちんと言葉にできるかどうかの話だと思う。原作への敬意も、支援してくれるファンへの誠実さも、そして将来、自分の作品が同じように誰かに無断で使われたときに説得力を持てるかどうかも、すべてはその一貫性にかかっている。