ジローラモ・フレスコバルディーーバッハも学んだ鍵盤音楽の巨匠　第10話(シリーズ最終回)

“音楽を語る”ための９つの助言ーーフレスコバルディの演奏美学

第9の助言：テンポは演奏者の判断に委ねられる

はい、、、、第9の助言には、こう記してあります↓

«パルティータの中で技巧的な部分や感情表現を含む場合は、ゆったりとした広いテンポを選ぶのがよい。この原則はトッカータにも同様に当てはまる。それ以外の、技巧的なフレーズを含まない部分は、やや速めの拍子で演奏してもよい。どのテンポを選ぶかは、演奏者自身の優れた感性と細やかな判断に委ねられている。こうしたテンポの選択ができることこそ、この音楽の精神を捉え、その演奏様式を真に理解するために欠かせない能力である。»

……と。

「最終的には、演奏者の判断に委ねられる。」

ここまで、たくさんの助言があった前提で、最後に「演奏者の判断に委ねられる」ときました。

❛え？ そういうオチ？❜

と言いたくなるところですが（笑）、ここは音楽家思考で、もう少し丁寧に考察してみたいところです。

フレスコバルディが最後に残した助言は、実はテンポについての単なる指示ではなく、「どのように演奏をするか」ということそのものに対する、深い洞察なのではないでしょうか。

パルティータにおいて、技巧的なパッセージや感情表現を必要とする箇所では、広いテンポ──つまり、ゆったりとした間合いを選ぶことが望ましい。

これはトッカータにも同じように当てはまります。

一方で、技巧的なパッセージを含まない部分では、もう少し活発なテンポで演奏してもよい。

つまり、楽曲全体を一律のテンポで押し通すのではなく、その部分が持っている性格に応じて、テンポそのものを変化させてよいということです。

これは、今の私たちが考える「テンポを守る」という感覚とは、少し違うように思います。

たとえば、速い音の連なりや細かな技巧を含むパッセージ。

そこをあまりにも速く演奏してしまえば、音符は確かに並んでいても、その一つひとつのニュアンスや表情は、聴き手に届かないかもしれません。

だからこそ、あえてテンポを抑える。

音を一つひとつ聴かせるために、間をつくる。

そして、感情が高まるところでは、その感情を十分に表現できるだけの「広さ」をテンポの中に持たせる。

反対に、技巧的な要素が少なく、音楽が前へ進んでいくような部分では、もう少し活発なテンポを選ぶことができる。

そうすることで、音楽全体に呼吸が生まれます。

ゆっくり、速く。

緊張、解放。

密度の高い部分と、余白のある部分。

そのコントラストによって、楽曲は単なる音符の連続ではなく、ひとつの生きた音楽になっていく。

画数の多い漢字を筆で書くときの感覚に似ているような気もします。

フレスコバルディが言っているのは、そういうことなのではないでしょうか。

そして、ここで何より重要なのが、

「どのテンポを選ぶかは、演奏者自身の優れた感性と細やかな判断に委ねられている」

という一文です。

ここに、フレスコバルディの演奏美学の核心があるように感じます。

楽譜に書かれた音符を、ただ正確に再現する。

そうではない。

楽曲の構造を理解し、そこにある感情を感じ取り、使用する楽器の響きを聴き、その瞬間の音楽にふさわしいテンポを、自分自身で選び取っていく。

つまり、「正しいテンポ」を探すのではなく、「この音楽にとって、今ここで必要なテンポは何なのか」を判断するのです。

その判断をする能力こそが、演奏者に求められている。
フレスコバルディの音楽は、厳格な拍子に縛られるものではありません。
むしろ、演奏者の裁量に大きく依存するスタイルであったことが、この最後の助言から強く感じ取れます。
そして彼は、その演奏者の判断に委ねられることこそが、この演奏様式とスタイルの「精神」であり、「完璧さ」である、と結論づけている。
ここは、とても興味深いところです。
なぜなら、ここでいう「完璧さ」は、現代のピアノ教育の世界で一般的に求められている「完璧さ」とは、おそらく少し違うものだからです。
音符を間違えないこと。
テンポを一定に保つこと。
楽譜に書かれたものを正確に再現すること。
もちろん、それらも演奏には必要です。
けれども、フレスコバルディが求めている「完璧さ」は、そこだけにはない。
その音楽が、その瞬間に最もよく語られること。
そのために、演奏者自身が考え、感じ、判断すること。
そこまで含めての「完璧さ」なのではないでしょうか。
そう考えると、第9の助言は、単なる「テンポについての最後の注意」ではなくなってきます。

パルティータやトッカータにおいて、表現豊かで技巧的なパッセージを含む箇所はゆったりとしたテンポで。
それ以外の部分は、より活発なテンポで。

そして、その微調整をどこまで、どのように行うのかは、演奏者自身の芸術的な感性と判断に委ねる。

これは、フレスコバルディが最後に演奏者へ手渡した、ひとつの「自由」だったのかもしれません。
彼の音楽は、形式的な技巧だけにとどまりません。
音楽の背後にある感情や思想を感じ取り、それを自分自身の判断によって音にしていく。だからこそ、演奏者には「弾く技術」だけではなく、聴く力、感じる力、そして判断する力が求められる。

9つの助言を最後まで読み進めてきて、最後に「演奏者の判断に委ねられる」と言われる。
❛え？ 結局、私たちに任せるの？❜
……と思わなくもありません（笑）。
でも、もしかすると、それこそがフレスコバルディの伝えたかったことなのかもしれません。
ここまでの助言を踏まえたうえで、最後は自分自身の耳で聴き、自分自身の感性で判断しなさい。その「判断できる耳」こそが、この音楽の精神とスタイルを理解した証なのだ、と。

演奏する会場。
使用するチェンバロの個性。
その日の空気。
そして、湿度によっても大きく変化する響き。
さらには、季節によっても変わるかもしれません。

そうしたものを肌で感じながら、その瞬間、その楽器から生まれる音に耳を澄ます。
フレスコバルディの音楽は、楽譜の上で完成しているのではなく、演奏者の感性によって、そのたびに生き直す音楽なのではないでしょうか。
そして今もなお、私たちはその音楽を前にして、
「では、あなたなら、どう弾きますか？」
と問いかけられているのです。

シリーズ全体のまとめ

フレスコバルディの助言をたどるこのシリーズは、 「バッハの先輩？」と驚いた最初の出会いから始まり、 やがて彼の音楽に宿る精神性──語るように奏でる自由、 そして演奏者への深い信頼──へと静かに辿り着きました。

音楽とは、時代を越えて心を映す鏡。 17世紀のイタリアから届いた彼の言葉は、 今を生きる私たちの演奏にも、確かな呼吸を与えてくれます。

この小さな旅の終わりに、フレスコバルディの思想が われわれ自身の音の中で、そっと息づいていくことを願って──。

このシリーズから始めたnoteへの投稿。
最後まで読んでくださり、ありがとうございます。

引き続き　多様な角度からの投稿を不定期ではありますが、載せていきますので、今後ともよろしくお願いいたします。