松本和将先生のピアノレッスン4

身体感覚を研ぎ澄まし、音楽の深みへ

こんにちは。
ピアノを愛するみなさま、いかがお過ごしでしょうか？

寒さが少しやわらぎ、庭の梅の花もちらほらと咲き始めました。
季節のうつろいを感じる今日このごろです。
前回のレッスンは、こちらです。

https://note.com/milkcreamaji/n/n24b2c445db44?sub_rt=share_pw

今回も、松本和将先生のレッスンを受けてきました。
場所は前回と同じ、薔薇の香りのするような心地よいスタジオです。

この記事では、第4回目となったレッスンでの気づきや、先生からいただいた魔法のようなアドバイスを、わたし自身の忘備録もかねてお伝えしたいと思います。

「楽譜」から「手」へ、視線を変えるだけで、音色が変わる

まずは、スケール（音階）からみていただきました。
わたしはつねに「楽譜に書いてある音を間違えないように」という意識が強く、演奏中は譜面をしっかり目で追っているのですが、先生からいただいたアドバイスは、意外なものでした。

「ずっと楽譜をみながら弾くのではなく、自分の手の動きをじっくりみて、美しい音で弾きましょう。」

楽譜は覚えてしまって、意識を「自分の身体の動き」へとシフトさせること。
そうすることで、より良い音が出せるようです。

嬉しいことに、「右手の動きがとても良くなってきましたね」と温かい言葉をいただきました。
少しずつではありますが、ピアノと仲良くなれているのかもしれない、と嬉しくなります。

一方で、これからの課題も見えてきました。
それは左手の使い方、手首と、オクターブを弾く際のフォームです。
手首が縮んでいると前腕に力が入ってしまうので、すらりと伸ばして弾きましょうと。
オクターブは親指と小指の付け根から鳥が羽ばたくイメージで弾くといいそうです。

先生が実演してくださると、魔法のように無駄のない、美しい音が響きました。すらりと伸びた手首は、まるでモデルさんの手首のように美しいです。
わたしもその感覚をつかもうと、何度も「脱力」と「支え」のバランスを確かめました。

じつはKAWAIの先生からも、右手は良くなっているけど、左手のフォームは、弾いているときに見ながら確認して練習するといいとアドバイスをいただいていたんです。
それを松本先生にも、お話ししたら、「いい先生だね。」と、言ってもらえました。

わたしは、KAWAIの先生について、少しもやもやしていました。
はじめに習っていた先生が辞められて、それまでの先生からはツェルニー30番までのレッスンを受けてきていたのに、今の先生に変わってから、ハノンをレッスンで見てもらうことになり、ツェルニーからハノンへと、なんだかレベルダウンしたような気持ちになっていたんですね。

松本先生にそのことを打ち明けたら、『今のKAWAIの先生は、君に必要な基礎練習をしてくれているんだから、ハノンをやるのはいいことだよ』と言われました。
あらためて頑張ってハノンを練習していこうという気持ちになりました。
また、両先生とも右手の進捗を褒めてくださり、左手のフォームを課題として指摘されるので、やっぱりそこがわたしの弱点なんだなと実感しました。

そして、松本先生から、こんなストレッチを教えていただきました。

鉛筆一本で変わる、魔法のストレッチ

ピアノを弾く上で「手を広げる」ことは避けて通れませんが、無理に開こうとするとどうしても力みが生じてしまいます。
手を開いていても、前腕は力まずに。
特にわたしはオクターブがぎりぎりの小さい手なので、力が入って、ガチガチです。
そこで先生が教えてくださったのが、鉛筆を使ったトレーニングです。

親指と小指を広げて横にした鉛筆を挟み、手のひらを広げた状態のまま、腕をおろしたりあげたりして脱力を確認する練習。
「手のひらは広げているけれど、前腕は固まっていない」という感覚を養うためのこの方法は、驚くほどダイレクトに自分の「力み」を自覚させてくれました。

道具ひとつで、自分の身体との対話がこれほど深まるとは。
毎日の基礎練習に取り入れたい、宝物のような教えでした。

また、スケールのカデンツ（和音の進行）についても、あらためてお話をうかがいました。
カデンツを覚えると、和声の理解が深まるんです。
スケールのおまけではなく、音楽の本質を掴むためにゆっくり練習する大切さを教えていただきました。

ブルクミュラーで学ぶ、音楽の「なぜ」

続いて、カワイ出版の『トレーニング・オブ・アナリーゼ』を使って、ブルクミュラーの『すなおな心』を軸とした読譜のトレーニングへ。
ここでは「なぜこの音がここにあるのか」という音楽理論の視点から曲を紐解きました。

今回のキーワードは「ドッペルドミナント」。
名前だけ聞くと難しそうに感じましたが、曲の流れの中でその響きが持つ「緊張と緩和」を丁寧に解説していただくと、モノクロだった楽譜に色がついていくような感覚を覚えました。

ただ弾いてみるだけでなく、構造を知ることで、表現に説得力が生まれるんですね。
この曲でもカデンツについて、深く教えていただきました。

一音一音に意味があることを知ると、慣れ親しんだブルクミュラーが、全く別の輝きを持って目の前に現れました。

もっと詳しく学びたい方は、『トレーニング・オブ・アナリーゼ～ブルクミュラー編』をチェックしてみてください！

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この大切な一冊が、必要な誰かに届きますように。

『トロイメライ』に込める、呼吸と余裕

最後にみていただいたのは、シューマンの『トロイメライ』です。
この曲を弾き終えると、先生からは「先ほどのスケールの練習で意識した、右手の音の出し方を思い出して」とアドバイスをいただきました。

旋律が、単なる音の羅列ではなく、ひとつの呼吸のように繋がっていくこと。
そのためには、次の音への意識をはやめに持つこと。
そして、徹底した片手練習と、驚くほどゆっくりとした練習が必要だと教わりました。

これはピアノ学習者あるあるかもしれませんが、「家では、もっと弾けてたんです。」と、思わず言ってしまいました。
すると先生からは、「本当にそれはあるあるで、だけど、もっと余裕を持つとどんなピアノに変わっても弾けるようになる。」のだそうです。

余裕を持つ演奏。

それについて、先生が茶目っ気たっぷりに教えてくださった「上達の秘訣」は、
「余裕を持って弾けるようになるために、『ながら練習』をしてみるのも手ですよ。じつは僕、ゲームをしながら片手練習をしちゃうことがあるんです（笑）」

あんなに素晴らしい演奏をされる松本先生が、ゲームをしながらピアノを……！
その意外なエピソードに、スタジオの空気がさらに和らぎました。

もちろん、それは「集中しない」ということではなく、それほどまでに指の動きを自動化し、心に「余裕」というスペースを作るための、プロフェッショナル魂なんだと思います。

終わりに

4回目のレッスンを終え、外に出ると、いつもの景色が少しだけ違って見えました。
「手の動きをみる」「構造を知る」「余裕を持つ」。
先生が授けてくださるアドバイスは、どれもピアノという楽器を越えて、自分の身体や心との向き合い方を教えてくれているような気がします。

次回のレッスンまでに、左手の脱力と、そして「ながら練習」も（ゲームの誘惑に負けない程度に）少しずつ試してみたいと思います。
わたしのピアノの旅は、まだまだ続いてゆくのでした✨🎹

今日も、お読みいただき、ありがとうございました😊
読了いただきましたら、スキ❤️してもらえると嬉しいです。