「邦楽は洋楽のパクリ」と見下していた過去の自分へ。音楽の「ルーツとブレンド」を知って視界が一変した話

「日本のポップスなんて、結局洋楽の後追いでしょ？」
恥ずかしながら、かつての私は本気でそう思っていた。
コード進行も、リズムのノリも、海外のトレンドを数年遅れでなぞっているだけ。本場のアメリカやイギリスの音楽を聴く方が圧倒的に「本物」であり、邦楽を好んで聴く理由が見出せなかったのだ。
しかし、その浅はかな選民思想は、ある「歴史の事実」を知ったことで木っ端みじんに打ち砕かれることになる。

個性とは「ルーツの提示」と「アレンジのブレンド」

音楽の歴史を深く辿るうちに気づかされたのは、「世界中のあらゆる音楽は、過去のルーツの提示と、異なる要素のブレンドによってしか生まれない」というシンプルな事実だった。
ゼロから生み出された完全なオリジナルなど、この世には存在しない。
洋楽のロックやポップスも例外ではない。ブラック・ミュージックのブルースや福音歌がルーツにあり、そこに白人のカントリー思想が交ざり、技術革新というアプローチが加わって生まれた「ハイブリッドの産物」に過ぎないのだ。
そして、さらに視野を広げたとき、衝撃的な事実にぶち当たった。

西洋のロックが、日本の「歌舞伎」に影響を受けていた？

「洋楽こそが最先端のオリジナルである」という私の思い込みは、ロック史におけるひとつの大きなアイコンによって崩れ去った。
例えば、アメリカの伝説的ロックバンドKISS。
あの白塗りの派手なメイク（隈取）、一瞬でポーズを止めて観客を熱狂させるパフォーマンス（見得）、宙を舞うステージ装置（宙乗り・ケレン）。彼らが1970年代にロックシーンを席巻したあの圧倒的な演出様式は、日本の伝統芸能である「歌舞伎」の美学を直接取り入れたものだったのだ。
デヴィッド・ボウイが日本の着物や「引き抜き（一瞬の衣装チェンジ）」の演出をステージに組み込んだのも有名な話だ。
私たちが「本場の洋楽的でエンタメ性の高いロックショウだ」と喝采を送っていたものの根底には、江戸時代に日本の庶民が熱狂していた歌舞伎や劇場型エンターテインメントの遺伝子が、巡り巡って深く組み込まれていたのである。

西洋も東洋も「人間の熱狂構造」は地続きだった

歌舞伎だけではない。
西洋にはオペラがあり、中国には京劇があり、インドには幾千年の舞踊劇があった。
電気もモニターもなかった時代から、人類は「人間の肉体、派手な色彩、音楽、そして大掛かりな仕掛け」を掛け合わせ、非日常の熱狂空間を作り出す技術を磨き続けてきた。
現代のポピュラー音楽のステージは、そうした世界中の古典芸能が何百年もかけて積み上げてきた「演出のOS」の上に成り立っている。
洋楽が日本の伝統美学を吸い上げてロックショウを拡張し、日本がその洋楽のサウンド表現を取り入れてJ-POPという独自のストーリー性を乗せていく。音楽とは、どちらが上か下かという一方通行の模倣ではなく、世界中の文化が循環し続ける巨大なバトンリレーだったのだ。

改めて、邦楽の素晴らしさに気づく

「洋楽の後追い」という言葉は、音楽の表面的なコードやリズムだけを切り取った極めて浅い見方だったのだと、今では痛感している。
日本人が西洋の楽器や音楽理論を取り入れ、そこに日本語特有の繊細な情緒や、江戸時代から脈々と続く「型と見立ての美学」をブレンドして生み出したJ-POPやアニソン、邦楽ロック。
それらは単なるコピーなどではなく、世界の音楽史という壮大な循環構造の中で輝く、見事な「新しいアプローチ」なのだ。
ルーツを知り、その上でどんなブレンドが施されているかを聴き解くこと。
それこそが音楽を聴くことの本当の面白さであり、その視点を得た今、私の耳に流れる日本の音楽は、以前とは比べものにならないほど深く、圧倒的に愛おしく響いている。

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〈追記〉
KISSや聖飢魔IIなど、ド派手メイク&セメント技術系バンドは改めてしっかりと聴き返したい所存。